(By Dennis Kastrup, 19.09.2006, Berlin)

[DK]: Is “Technology won´t save us” a statement?

[RPS]: It is a statement in so far as what I wanted to project with this album. To me it is a different album. It is not just a new album. It is something new for me in the way that I approached it. Everything. The way that I had written it, the way that I had produced it and what I was trying to say with it is quite different. And I think using “Technology won´t save us” as the first song is a way for me to set it apart from everything else. “Technology won´t save us” in the song; I am actually using that differently than the way that I imply it with the title of the album. In the song it is in the literal sense: the fact that we have all of this technology but somebody can be a hundred meters away and still not prevent somebody from dying. In the kind of physical world there is fog in between. You cannot see each other. But also in the album title it is much more of a spiritual context. In the sense that we have all of this technology around us and in some ways we are increasing the long jeopardy of our lives. We can have heart transplants and we can cure all of these diseases but without sounding hippie: but in a spiritual sense we are becoming more and more empty. We are not kind of relying on understanding ourselves with the things around us. We tend to not focus on us so much.

[DK]: Well, who said in the first place that technology will save us?
[RPS]: I think it is a basic assumption. We believe that technology can safe us. If somebody says: “We can give you a heart transplant and that will save you.” That is essentially the same thing as saying “technology will save you”. We have the means. We have the ability to save you by the technological breakthrough. But having a heart transplant is that saving in a physical sense? But it is not saving you in a philosophical or spiritual sense. It is giving you more time on this earth. But it is changing the way that you look at life?

[DK]: The producing process of this album appears to be a different one. You threw away things and it took a while. What changed and differed from the albums before?
[RPS]: Really the whole process, the whole way that I viewed Sophia. Sophia was better known for me expressing myself and being honest with my feelings which has not changed. It is just the way that I write songs now. They are still the same honesty but where as before it was quite easy for me to write things about myself. People had asked: “Did you find it difficult when people know so much about you…and opening yourself up.” That is not typical for me. What I find difficult on this album opening myself up even further in trying to express myself in more complex terms than what I had before. And that was very new for me. To most people it sounds very similar to all the other Sophia records but I know in the process that I went through to achieve that. It was very different. Putting those into concrete terms is very hard. It is more if an abstract way of looking at something and realising the idea of me throwing away all of the songs. Those songs were just a little bit too simple and too superficial for the way that I look at life and the way that I want to express myself. The whole idea of wondering where the lyrics were coming from, really examining my life is opposed to going: “Oh I am quite sad and I am a little bit upset by what is going on in my life. So I pick up my guitar and express that.” I needed more than that. I wanted to understand where it came from and how it could change.

[DK]: Did you feel trapped at some point?
[RPS]: Well no. I just had to look a little bit more deeply. I did not feel trapped in the sense that I needed to become somebody new. But I felt trapped in the sense that I was about to accept a very simplified view of myself through my songs. And that is why I threw away all of the songs that I had written. They were just too simple and too easy. When somebody says: “Why do you love me?” And there is an easy way to say “because you are nice and you are kind”. That is an easy way. But sometimes people expect more than that. “Why do you think this way about me?” Do you know what I mean? And that kind of is how I felt about the songs. Why was I feeling this way about my life and how was I going to express it? What I was saying was that projecting what I wanted people to hear this time around. And that is why lyrically it is quite a bit more complex than the records that I have written up until now.

[DK]: Lost is a very complex song. It is so personal that I remembered it the most when I first listened to the album. Is it hard for you to talk about it?
[RPS]: No, it is not hard at all. Although lyrically it is obviously very dark but the thing is that song is actually a celebration to me. It is a celebration of my mum’s life. It is a celebration of what I learned about her during that kind of period. I have never really written lyrics from another person’s kind of standpoint. It has always been much more. And I do not think that is something I can do easily and I do not think that it is something that I will do again. I was just so inspired by my mother and by that experience that literally the words just wrote themselves, pages and pages of it. But it was because it was such an important moment in my life. But I think that being able to do that was a big change for me and to not feel insecure about it. I am insecure about it because I think people can discard it very simply. Also I know that I was being honest with the song and lyrically it was a difficult thing for me to do; to kind of let that go. I will just take people’s opinions as they come.

[DK]: What really strikes me is the fact that I have always connected the music of Sophia with melancholic tunes. And then you took the saddest moment, the death of a beloved person, and made a positive song out of it.
[RPS]: I think that because to my mother it was not a sad…When I made it back to California she had them stop all of her life support systems. She did not want technology to save her. She was ready to move on. She was…I do not want to say proud but she looked – she is a very spiritual person – to going into the after life is a good thing. She had her family around her and for her it was a beautiful thing and not something for people to be sad about it. What I kind of learned about her during those couple of days before she past away…I did not leave the hospital, I slept at the hospital and was with her the whole time…but I learned so much about her and so much about who she was as a person and the way that she really saw life and the things that she had experienced in her life from her childhood all the way through her adult years. To watch her kind of passing away was a beautiful and strengthening experience. Actually as I was writing down the lyrics and thinking about them made me really sad because it put in perspective that she really was gone. You always know that she is gone but have the sense that they are around you. This sounds really kind of stupid but I felt like in a way she was essentially writing the lyrics for me because I was taking things that she had actually said in that moment. She had actually said to me: “Do not look at this as bad thing in life! Maybe you can turn this around and make something positive out of it.” At the time I thought that was ridiculous. I was like: “How in the hell can you suggest that I am going to make something positive about my mother passing away. I am looking at my mum and thinking this. And four years later I have actually written the song that is probably one the most celebratory, positive, beautiful song in a meaningful way about something that is so dark. Do you know what I mean? Maybe not everybody can look at it this way but some people can look at the death of a loved one in the positive light. This person does not have to suffer any more. Her body was destroyed by cancer but she did not even know she had it until three days before [her death]. Literally she was in the hospital, three days later she passed away. She did not have to grow up with that. She was able to let that all go and she went out so happily. She was ready to go. She believed in heaven. She believed in angels. She believed in all of that. She believed in not some weird way but in a real spiritual way. To her she was passing from this world into another world but she was going to be looking over us the whole time. And that is whether in moments of cynicism I believe that or not it was impossible for me to not to believe it when I was confronted with it as she was passing away. There is a whole philosophical debate on the existence or non-existence of certain things. It has a lot to do with your perception, your beliefs. At that time I believed that she was going to some place better for her and now it is hard for me to not believe that.

[DK]: What did you take with you?
[RPS]: It is an incredible thing. It made me not fear death. I do not fear death and I do not fear pain. It is something that I do not even think about. I do not fear pain in the context of dying. I do not want to live the rest of my life in pain. I can only imagine the pain my mother was going to at the time. My mother did not even want to take medication because she knew that she had such a short period of time left on this earth that she even refused to take morphine and stuff like that. And that was not until she was really in an excruciating pain that the nurse came in: “Come on honey, you really should do this. You will still be conscious but you should take some morphine because basically all of the organs start shutting down and the breathing changes. You need to do it just so your body does not go into shock.” But my mother was so worried to not be able to spend the last moments of her life being able to converse with her sons and sisters and stuff like that. We were just like…it was…

[DK]: Your mother passed away four years ago. Why did you decide to put the song on this album?
[RPS]: Because I just wrote it. I wrote it three months ago. Quite a lot of the songs are new. “Technology won’t save us” I actually started writing a few years ago. But I had tried putting words to it and I never really felt like I was doing any justice to the way that it made me feel. I just felt I was trivializing the experience of this father and his child. Other than that … I mean “Where are you now” I started to play on an acoustic tour that I did earlier this year. Pretty much everything there is brand new.

[DK]: Your music is very direct. The lyrics and the music seem to be ideas of moments and present feelings. They just come out of you. Are good songs happening in minutes when you do not think about them too much?
[RPS]: I can only talk about for me. “Big city rot”, that song I wrote it one night. I opened up my laptop; I do not know if you have heard about a program called “Garage Bands”. It is Apple, an audio recording program that Apple gives away with all the computers. When I am doing demos and stuff I use that a lot. When I got my acoustic guitar and can just play it into the microphone on my laptop. And that song I sat down with my guitar and I played it from the beginning to the end. I did not have any words written down. I never write words down. When I write songs it is always inspired by the moment. I wrote that song. I had never done the guitar before. I never uttered a single word before. I sang the song from the beginning to the end. It is the first time I did this song. The second time I did this song was for the sessions. That was the last song that I recorded for this record and that was while I was mixing the other songs. We set up. I recorded it three times. Again I did not write the lyrics down or anything like that. I used it the first of the three times I recorded it, the first take. So I played that song two times. Do you know what I mean? The only more pure I could actually get from that song is if I would have put the version that I had recorded on the microphone of my computer. No editing of the words. I was speaking to somebody earlier today and I do not know where it came from. We kind of came to the conclusion that I am not Sophia but that is Sophia. And not to talk in this New Age crap but I just channelled some of these things. Obviously I have to work on other songs more and things like that. For instance “So slow” which was one of the first songs that I wrote after Jimmy passed away, the bass player of my first band [The God Machine]. There are a few songs that I have done that I do not know where they came from. They just appeared. I think that you are right when you say that the more you focus on things there is a literary kind of idea that you should not edit yourself and things like that. It changes the original kind of process of things. I do not know if I believe that or not. Sometimes I will write something down and I take the best bits out of it in the context of a song. I think it is hard to take away the purity of the song like “Big City Rot”. There is almost nothing in it in between me and the song because I was not there as the song was being created if you know what I mean? Without sounding too abstract. The words came and the chords came and it was there.

[DK]: “Pace” is a song that is complaining about the world. But on the other hand it accepts the fact that it turns around and everything will move on. That reminds me of a song of the German band called Tomte: “It is not the sun that goes down. It is the world that turns around.” Is it like that?
[RPS]: Yeah, definitely. Absolutely! If you look at the words in isolation of each other the words are generally considered to have negative connotations. Like bitching and moaning about life and thinking about how everything is sour. You look at that but in the context of the song in the way that it talks about that you can change your world. You can change your world. But you cannot change the pace the world spins around you. That is what I was trying to convey with that. It is like the lyric that you said. There is a positivity to it. It is not something I believe everyday because I tend to consider myself a pessimistic optimist. There is that thing. There are points in my life where I just have to stop and think: “Ok, Robin, you cannot wallow in the self-pity. You cannot wallow in the self-doubt. You have to get on with your life and do what you believe in!” Again, “Pace” was not written until we started recording the album. I had the bare-naked idea, that with the acoustic guitar and stuff like that, in my computer but it was not a song until my drummer and I actually flashed it out and made it into a song. But the album was so close to not even ever been made. I cannot reiterate that enough. I had a severe crisis of confidence. I was not sure what I was supposed to be doing any more.

[DK]: …because of the music?
[RPS]: The thing is that my career in music has an influence on everything. I make my living from music. So if I am not creating music and I am not selling music I cannot survive. I cannot make a living. But I cannot allow myself to do music that I do not believe in. And so if I do not have music that I believe in then I cannot make a living. It is this kind of circle and unless I have songs that I believe in and I can create something that I can actually give to people that appreciate what I do with a full heart and openly say this is everything I could possibly put into it I cannot do it. But that is basically saying that I cannot survive as well. So it is a really difficult situation for me. That was the real conflict and the real crisis that I was having. I did not think I had the songs to make the record that I believed in but I could not survive. So what was I going to do? There was not anything that I could do? There was a moment where I literally fell stuck in one place. That is when I decided to give up my studio. That was when I decided to give up my flat. That was when I decided I just need to take off because…Last October we went out to the country side and we spent a couple of weeks working on music and I threw it all away because I was not happy with any of it. The time that I wrote “Big city rot” all of these things happened all around Christmas time after this period. The record is over a year late. When you rent a business you kind of project how long it is going to take to do things and you budget yourself accordingly. So I had it worked all out that I would have my record finished this time and I would start getting money in some things and life would be perfect. Except for the fact when I got to the point where I should have delivered a record and I did not have it. So my money disappeared. I had no money. I was selling everything that I owned, putting stuff in stores. I was basically going to run away. I was not running away from debts. I was not running away from my family; I am not together with my daughter’s mother. I was not running away from those things. I was running away from the fact that I did not have anything. Do you know what I mean? And that is really how I felt. I did not have anything to offer, anybody around me. So why am I even here?

[DK]: That sounds terrible. Do you think the best music comes out of you when you experience situations like that?
[RPS]: People ask me: “Do you think the best art comes from sadness?” I think the best art comes from good artists regardless of whether they are happy or sad. I never look at it like I need to go down; I need to go up. I just look at it in a sense that I either have something or I do not have something. And if I do not have something that sends me even farther down which then where something like “Big city rot” comes from which probably will be a Sophia favourite for I do not know how long. It is a bitter sweet irony really, isn´t it? And it is a real pain in the ass as well.

[DK]: So the older you get the more you know about it?
[RPS]: [Breathes a sigh of relief] Man, I hope that I have learned my lesson now. I am telling you man I do not want to be in this position…I am in my mid-thirties, I am 37, late mid-thirties. To kind of find myself yet again in this situation – the whole kind of selling my equipment and stuff – I am so used to doing that because I am the type of person that… because I produce bands s well and I spend a lot of money on really good recording equipment. But I have probably had to do this three times in my life. So it was not anything new to me. I knew that everything that I had was worth money, and I knew it was worth because I had paid for it. I knew I could sell it because it was good. So I was not worried about that. I was worried about the fact that that equipment was going to …Right now I do not even have an acoustic guitar. I still have the electric guitar that I used in the God Machine and I have the amp that I used in the God Machine. Sophia is considered as an acoustic rock band and I do not even have an acoustic guitar. I sold everything! I basically sold my last shoe lace. And if something did not happen there was nothing else. And that is what I do not want to have happen again. I just have to be little bit more responsible. But the thing is I have also learned through this that I cannot force my creativity. I cannot do it.

[DK]: With all that in mind, how could you write the happiest and most positive song of Sophia so far? I am talking about “Birds”…
[RPS]: The thing is I cannot write happy songs. I can write harmonies. I can write things that allude to something being happy. It has got minor chords in it. It has got everything to it that should be a normal Sophia sad song. But somehow the spirit of the song turned in to something happy. Originally the whole idea behind it was…I remember being out at the house in the country seeing a hawk hovering…there were big grounds were I lived in; it was not my house, it was a friend´s house…but big grounds and you used to see squirrels and rabbits and stuff running around. Pheasants and there will be deers at night. And there was a hawk hovering and it came down, got a squirrel and took off. And basically that squirrel was gone, dead. At the time I was thinking. As in all of life it is a bitch. It is a fucked up world out there: that squirrel was happily bounding about, looking for nuts and buried it. That is it. Its life was over. And originally “Birds” was inspired by witnessing in nature what I cursed in humanity. Do you know what I mean? How fragile existence is, right? But somehow that song started out from there being a storm and people not actually having any control over it to at the end having control over it. We do not have any control over things but we can still guide ourselves. If we kind of …”come on hurry up and now we are a day late for spring if we sneak in…” [Lyrics from “Birds”] …To me I do not really know where that came from. I do not know where it came from. But it just rolled off of my tongue and it is a positive song.

[DK]: Were you surprised of yourself while writing it?
[RPS]: No. I did not realise that it is a positive song until it was finished and until it was in the context of the whole record to be totally honest with you. I think maybe when I was singing the last chorus “Come on, hurry up now” I started to think: “Wow, this is actually quite a positive song.” But I was so immersed in the whole record at the time. Do you know what I mean? It was such a difficult record for me that I did not look at it in that context. I was not able to put it on and go: “Hey this is actually quite a happy song.” My mixing-engineer was going: “Hey this is a happy song!” And Jeff, my drummer, was going: “You have written another pop-song!” And in the beginning it was just an acoustic song talking about how life was. Again, it is outside of myself some these things.

[DK]: The album has three instrumentals: The beginning, the middle and the end. Was this on purpose?
[RPS]: Yes and no. For me “Theme for the may queen no. 3” is basically like a fuck off to all of the kind of insecurity and lack of confidence that I experienced making this record. It is basically me self-consciously or consciously making an extreme gesture towards the things that I experienced. Just going: “Fuck off! I am going to make a noisy song. I am going to make it as noisy and as hard as I have ever made a song” I do not care what perceptions of Sophia I was dealing with myself. This is just as much Sophia as anything else that I have one because it is all me. And “Technology won´t save us” being the intro…you said am I making a statement. And I was making a statement! I was making a statement that this record is different from what I have done before. I could not have used any other song first and made the same kind of statement with it. And “Twilight at the hotel Moscow” is a breather between everything. I could not have put it anywhere else in the record. I could have maybe left it off but that is my drummer’s favourite song. He plays the same thing and does not do anything different in it. But when we finally finished it he was like: “I do not care what anybody says, this is a fucking great record and that is the best song I have ever played on.” I am just really happy with this. It is a bit of an irony that I do not even have a tour booked now because I was not sure if people even were going to like this record. So I did not want to make any plans for the future. I was so insecure about what people were going to think about the record. Although it is very similar to everything that I have done I was so insecure about my own ability at the time that I was not sure what people are going to think about it. So know that I am talking to people about it and they appreciate it it makes me think: “[breathes a sigh of relief] What did I have a worry about it?” If I would not have worried about it I would have done a record last year and we might not be having the same conversation. So it all happens for a reason!

(by Daniel Koch, Intro Magazine, 24/09/2006)
Robin Proper-Sheppard, einzig beständiges Mitglied der Band Sophia, hat zwei Lieder geschrieben, die mal auf meiner Beerdigung gespielt werden. Aber das sage ich ihm jetzt besser nicht – nicht bei diesem Thema: "Ich weiß, ich stehe in dem Ruf, oft über den Tod zu singen. Ich muss einfach in einem bestimmten Gemütszustand sein, wenn ich einen Song schreibe. Ich werde wohl nie fröhliche, unbeschwerte Musik machen – das wird einfach nicht passieren. Aber das Bild, das meine Musik von mir zeichnet ist doch nur ein Aspekt von mir. Just because I write sad music I don’t want to mope around. I’m not that grumpy fucker that is just pissed of with everybody."

Recht hat er. Auch wenn man ihm raten möchte, doch noch mal die Wahl der aktuellen Promofotos zu überdenken, wenn er das wirklich klarstellen will. Aber wenn es um seine Musik geht, ist er tatsächlich eher Enthusiast denn Melancholiker. Strahlt mich mit wachen Augen an, fragt immer wieder "Do you know what I mean?", lacht, wenn er sich vor Begeisterung in eine Sackkasse artikuliert hat und fängt dann einfach von vorne an. Es ist ein seltsamer Kontrast, wenn mir in einem solchen Moment Lieder wie 'In Bad Dreams' in den Sinn kommen, von seiner legendären Band The God Machine. Oder 'So Slow', das erste akustische Lebenszeichen von Sophia – ein Song, der den Tod des God-Machine-Bassisten Jimmy Fernandez thematisiert. Lieder wie diese sind von solch unendlicher Traurigkeit, sie reißen dir schlichtweg des Herz raus – vorausgesetzt man lässt sich auf den gesunden Pathos seiner Musik ein.

Es wundert nicht, dass Robin auf seinem neuen Album 'Technology Won’t Save Us' wieder ebenso dramatisch auftischt. Allerdings wird es immer schwieriger, bestimmte Songs als typische Sophia-Nummern durchzuwinken. Diese Entwicklung zeichnete sich ja schon beim Vorgänger 'People Are Like Seasons' ab, der nach den spärlich instrumentierten 'Fixed Water' und 'The Infinte Circle' zum ersten Mal wieder wütende Rocksongs zuließ, oder epische Mehrminüter, die mich sofort in die God-Machine-Zeit zurückbrachten. 'Technology...' funktioniert da ähnlich. Es beginnt mit einem orchestralen Instrumental ("der teuerste Song, den ich jemals aufgenommen habe"), führt über den möglichen 'Oh My Love'-Nachfolge-Hit 'Pace' ("ein düsterer, aber positiver Popsong") bis hin zu einem dröhnenden Finale, bei dem Robin wollte, "dass die Gitarren kreischen, als könnten sie dir den Kopf abschneiden." Einige Songs dazwischen klingen jedoch wieder, als hätte Robin die Demo-Versionen im Tal der Tränen eingespielt. Besonders das völlig verzweifelte "Big City Rot". Da muss ich doch gleich mal nachhaken:

Du hast vorhin gesagt, du schreibst nur Songs, wenn dich etwas persönlich inspiriert, oder wenn du deine persönlichen Gefühle ausdrücken willst. Wenn man deine Musik schon länger verfolgt, kommt man da ja irgendwie von selbst drauf. Deshalb macht es einen schon etwas nervös, dass du bei Big City Rot ziemlich deutlich dein Karriere-Ende besingst...
"Um ganz ehrlich zu sein: Es gab im letzten Jahr, so ungefähr um Weihnachten, tatsächlich einen Zeitpunkt, wo ich mein Studio und meine Wohnung aufgeben hatte. Ich hatte plötzlich alles so satt, wollte einfach nur weg – keine Ahnung wohin. Wir hatten davor schon einige Sessions zu einer neuen Platte gemacht, und ich war einfach total unzufrieden mit dem Ergebnis. Das hat mich völlig frustiert, bis ich alles - inklusive mein musikalisches Schaffen - in Frage gestellt habe. Es wäre natürlich ein Leichtes gewesen, trotzdem eine Platte rauszubringen, auch wenn man nicht dahinter steht. Viele Künstler tun das schließlich. Warum nicht auch ich? Aber gerade das wollte ich nicht. Sophia ist keine große Band, aber ihre Fans sind in der Regel von Anfang an dabei. Sie haben Vertrauen in das, was ich tue. Also sagte ich mir: Dann lieber gar nichts mehr machen, als etwas, an das ich nicht glaube."

Also noch mal Glück gehabt. Das Album ist im Kasten, steht Ende Oktober im Laden und Robin hat den Glauben an seine Musik wieder gefunden. Und die alte Begeisterung. Als ich sehr herzlich verabschiedet werde, muss mein Hirn erst mal wieder die Fakten zurechtrücken, dass dieser gut gelaunte Kerl das schon mal gelobte 'In Bad Dreams' geschrieben hat und – ihr wisst schon – die zwei Songs auf meinem Beerdigungssampler stellt.

(by Ullrich Maurer, Gaesteliste.de, 27/10/2006)

Ein Gespräch mit Robin Proper-Sheppard ist immer auch ein bisschen so wie eine Therapiestunde. Ob für Robin, den Gesprächspartner oder für beide stellt sich dabei immer erst mit der Zeit heraus. Anlässlich der neuen Sophia-Scheibe, "Technology Won't Save Us", gibt es auch einigen Erklärungsbedarf. Das Werk erscheint ungefähr ein Jahr später als angedacht, ist in einer absoluten Minimal-Besetzung eingespielt worden und enthält gleich drei Instrumentals (darunter eine weitere Hommage an Robins Fun-Projekt, The Mayqueens). Dennoch ist es im Nachhinein erstaunlich, wie viel Robin zu erzählen hat. Über eine Stunde redet er - praktisch ohne Punkt und Komma - über jeden Aspekt seines neuen Werkes, der ihm gerade in den Sinn kommt. Sogar, als er bereits im Taxi sitzt, hat er noch eine Idee: "Hoffentlich kommt ihr mit dem Material zurecht", witzelt er, aus dem Fenster gestikulierend, "vielleicht schickt ihr mir eure Fragen noch mal per eMail, dann kann ich die Antworten noch mal durchstrukturieren." Nun, ganz so schlimm ist es ja nun doch nicht - es zeigt indes eines: "Technology Won't Save Us" war, obwohl es eine durch und durch typische und konsequente Sophia-Scheibe geworden ist, alles andere als eine leichte Geburt.

Gleich der Titeltrack ist ein gutes Beispiel hierfür. Robin schrieb diesen Song mit einer Geschichte im Kopf: Ein Vater und sein Sohn können beim Watt-Wandern im Nebel den Weg nicht mehr zurück ans Ufer finden - obwohl der Vater mit seinem Handy im Kontakt mit den Rettungskräften steht. Sie ertrinken - die Technologie konnte sie nicht retten. Das eigenartige dabei: "Technology Won't Save Us" ist zwar aufgrund seiner reichhaltigen Orchestrierung das teuerste Stück Musik, das Robin je aufgenommen hatte - aber es hat keinen Text. Es ist ein Instrumental. "Weißt du, ich habe da ein Problem", meint Robin stöhnend, "die Arbeit an diesem Song habe ich schon vor Jahren begonnen und ich dachte immer, ich hätte auch Worte dafür. Aber ich konnte nichts schreiben, was der Geschichte gerecht würde. Mir fällt es sehr leicht, Songs über mich selbst zu schreiben - auch wenn die Leute meinen, ich müsste mich unwohl fühlen, wenn ich so persönliche Sachen schreibe. Das ist aber nicht der Fall. Aber ich kann zum verrecken keine Songs über andere Leute schreiben. Das bekomme ich einfach nicht hin. Also ist es ein Instrumental geworden - ein Instrumental mit einer Geschichte." Das ist zwar einerseits nachzuvollziehen - wenn man sich Robins restliches Oeuvre anschaut - aber andererseits widerspricht er sich insofern, als dass er mit "Lost (She Believed In Angels)" ein Stück auf der neuen Scheibe hat, das nicht nur von seiner Mutter handelt, sondern sogar aus deren Perspektive geschrieben ist. Hierzu sollte man wissen, dass Robins Mutter vor einigen Jahren an Krebs verstarb und Robin dabei war, als dies geschah. "Das sind sogar ihre Worte, die ich da verwende", bestätigt Robin, "und ja, der Song ist aus ihrer Perspektive geschrieben. Aber ich muss sagen, dass dies der leichteste Song für mich war. Es hatte hier nur Bedenken, dass die Leute den Song nicht verstehen könnten und vielleicht darüber lachen würden, denn er klingt zunächst ein wenig dümmlich - so typisch nach Robin, weißt du, der ja immer über den Tod schreibt und so. Aber das musste ich verdrängen. Ich hatte Seiten über Seiten mit Notizen. Dieser Song floss quasi aus mir heraus. Ich weiß selbst nicht, wie das kam, denn es ist schwierig, darüber zu sprechen." Das hört sich so an, als habe Robin da selbst keine Kontrolle mehr drüber gehabt. Was wohl an dem Thema liegt. Robin versucht, die Situation in Worte zu kleiden: "Nun ja, die Sache ist ja die: Der Grund, warum man nicht so einfach vom Hier ins Jenseits wechseln kann, ist nun mal der, dass es schwierig ist, loszulassen. Das klingt jetzt ziemlich esoterisch, ist es aber nicht. Die Sache war die, dass sie ihre Augen schloss und immer wieder mit einem Seufzer aufwachte und nach diesem und jenem fragte. Sie war besorgt um mich. Und ich sage dir eins: Es ist schwer, seine Mutter sterben zu sehen, wenn sie dich dabei anschaut und sagt, dass sie sich Sorgen um dich mache. Und zwar in einem spirituellen Sinne. Das war irgendwie gleichzeitig schön und inspirierend, obwohl es natürlich traurig war."

Robin erzählt dann die ganze Geschichte: Dass seine Mutter wegen einer Untersuchung ins Krankenhaus gegangen sei, und man dort festgestellt habe, dass sie an Krebs in einem unheilbaren Stadium gelitten habe. Sie sei dann im Krankenhaus geblieben, während die Familie gar nicht wusste, wie es um sie stand. Robin fand das dann heraus und eilte an ihre Krankenbett, wo er dann einen Prozess der Annäherung erlebte. "Ich lernte so viel über meine Mutter in diesen drei Tagen, wie in meinem ganzen Leben zuvor nicht", beschreibt er dies, "das hat dazu geführt, dass ich nun keine Angst mehr vor dem Tode habe. Das war vor vier Jahren. Und diesen Song darüber, 'Lost', brauchte ich quasi gar nicht selbst zu schreiben. Es passierte einfach von selber." Es gibt einige Up-Tempo Stücke auf dem neuen Album - darin ist es dem Vorgänger sehr ähnlich. Nur dass hier lediglich zwei Leute - Robin und sein Drummer Jeff Townsin am Werk sind. "Es ist Teil meiner selbst, dass ich auch ab und zu einfach Krach machen will", erklärt Robin das, "deswegen auch das neue Mayqueens-Stück auf der Scheibe - das auch eines meiner Favoriten ist." Die Mayqueens sind Robins Fun-Projekt: Eine Band, bei der es nur laute Rockmusik gibt - ohne großen weiteren Anspruch. "Genau, es soll einfach nur Krach sein, der Spaß macht. Ich hatte bei diesem Album solche Angst, dass die Leute es nicht mögen würden, dass ich sehr stark in mich gegangen bin. Am Ende, denke ich, habe ich hier erreicht, was ich mit 'People Are Like Seaons' versucht habe." Dieser Schlenker Robins bringt uns zu einem delikaten Punkt: Das neue Album hätte eigentlich schon vor einem Jahr erscheinen müssen. Doch Robin verwarf alle Ideen, die er damals hatte und begann zwischenzeitlich ganz von vorne. "Das, was du jetzt zu hören bekommst, hat jedenfalls mit dem, was ich damals geschrieben hatte, nichts zu tun", erklärt er. Der Zweifel an den eigenen Ideen war beim ersten Versuch, die Scheibe einzuspielen, zu stark. Robin glaubte nicht an seine eigenen Songs. Das ist insofern trickreich, als dass das ja ein subjektiver, interner Prozess ist. Die Fans hätten da doch gewiss eine andere Meinung gehabt. "Vielleicht die, die nur 'Oh My Love' kennen und mögen", zweifelt Robin, "ich denke aber, dass die Sophia-Fans sehr wohl gemerkt hätten, wenn ich ein Album veröffentlicht hätte mit Material, zu dem ich nicht stehe. Es ist für mich nur ein schmaler Grat, der darüber entscheidet, ob ich etwas mag oder nicht. Es hat damit zu tun, was die Musik für mich in meinem Kopf bedeutet. Wenn ich es nicht mag oder es sich nicht richtig anfühlt, dann kann ich das nicht tun." Was war die künstlerische Herausforderung dabei? "Die Arrangements haben alles übertroffen, was ich bislang gemacht habe und es hat uns viel Arbeit gekostet, dies zu erreichen. Da konnte ich keine Leute gebrauchen, die nur auf Anweisungen warteten ohne den Willen, sich bei jedem Track einzubringen. Jeff und ich hatten diesen Willen." Interessanter Weise lässt Robin keine Gelegenheit aus, um deutlich zu machen, dass er keine Kontrolle über den kreativen Prozess habe (davon singt er sogar in dem neuen Song "Pace") - das hört sich jetzt aber alles nach einer wahren Kontroll-Orgie an. "Weißt du was das Komische ist?", fragt Robin zurück, "das ist die erste Sophia-Scheibe, bei der ich das Gefühl einer Band hatte. Und das, obwohl nur Jeff und ich sie aufgenommen haben." Wie ist das denn zu verstehen? "Jeff erkannte das Potential meiner Songs und riet mir zu, daran weiter zu arbeiten, weil er daran glaubte", erklärt Robin, "das ist es, was ich meine. Wir haben sehr hart daran gearbeitet und ich habe mich dabei sehr auf seinen Ratschlag verlassen. Früher ging es immer bloß darum, meine Vision auf Band zu bringen. Das hat mit Kontrolle eigentlich weniger zu tun."

Das ist insofern interessant, als dass Robin auf der neuen Scheibe mehr als einmal über den Verlust an Kontrolle singt. "Wer mich kennt, der weiß, dass ich immer einräume, keine Kontrolle über den kreativen Prozess zu haben", bestätigt er, "gerade deswegen war es ja so viel Arbeit. Wenn ich nun darüber singe, keine Kontrolle zu haben, geht es darüberhinaus aber auch um das Grundthema der Scheibe, die Ironie, dass die Technologie uns nicht retten wird. Sie kann uns natürlich die Dinge erleichtern - zum Beispiel das Leben medizinisch verlängern. Aber in einem spirituellen Sinn und am Ende kann sie uns nicht retten. Der Song, den du ansprichst, 'Birds', bezieht sich auf meine Beobachtungen, die ich in der Natur machte. Ein Vogel, der ein Eichhörnchen erlegte, ein wunderschöner Baum, den ich sehr mochte, der aber krank war, so dass er zusammenzustürzen drohte. Da wurde mir klar, dass wir keine Kontrolle über die Natur haben. Auch nicht mittels Technologie. Wenn ich dieses nun auf meine Musik übertrage, bedeutet es: Ich kann versuchen, alles zu kontrollieren und jeden bitten, genau das zu spielen, was er spielen soll und es dann im Computer alles zusammenzufügen. Aber was ist der Witz daran? Das hätte keinen Funken Geist und Leben - auch mit aller Technologie nicht. Das ist auch der Grund, warum die neuen Stücke so rau und direkt klingen. Das war für mich magisch - wie damals, als ich mit God Machine anfing. Das hört man dem Album an, denke ich - hoffe ich."

Was ist denn aus Robins Idee geworden, düstere thematische Inhalte mit vergleichsweise fröhlichen Akkordfolgen zu verbinden. Ein Gedanke, der anlässlich von "Holidays Are Nice" noch für viel Diskussionsstoff, um nicht zu sagen "Verwirrung" gesorgt hatte. "Also ich denke 'Pace' ist so ein Song", überlegt Robin, "wenn du es dir anhörst, dann sind die Worte ja schon ganz schön heftig. Es geht darum, festzustellen, dass praktisch alles schief gegangen ist und dass wir den Lauf der Welt nicht ändern können - bzw. deren Geschwindigkeit. Ich denke, das ist düster, aber mit fröhlichen Akkorden unterlegt. Ich betrachte das in der Tradition der Sophia-Pop-Songs." Nun, so richtig fröhlich ist dieser Song zweifelsohne nicht. Er ist eher in der Tradition von "Oh My Love" zu sehen. "Das kommt immer drauf an, wie man es betrachtet", gibt Robin zu bedenken, "wir dachten damals, das wir damit unseren 'Motown-Song' kreierten..." Nun, Musik entwickelt ja zuweilen ein geradezu erschreckendes Eigenleben. "Also ich weiß ja sowieso am Anfang nicht, wie es am Ende klingt, wenn ich mit etwas anfange", verrät Robin, "also habe ich auch keine große Erwartung. Ich komme auch eher von der Schule der großen Enttäuschung. Weil es am Ende immer anders klingt, als ich es wir vorher vorgestellt hatte. Also bin ich an diese Scheibe einfach keine Erwartungen herangegangen. Der größte Druck für mich war, keine Fortsetzung von 'People Are Like Seasons' zu machen, denn ich habe erst jetzt erreicht, was ich mit 'People' versucht hatte. Ich sage dir eins: Diese Scheibe hat mich fast umgebracht. Ich bin am Nadir meines Lebens angekommen - einfach weil meine Musik die Umstände meines Lebens beeinflussen - und wusste einfach nicht, was ich tun sollte. Das war auch der Grund, warum ich so lange brauchte, das Material fertig zu stellen. 'Twilight At The Hotel Moscow' ist ein gutes Beispiel. Ich hatte die Trompete und die Streicher und alles aufgenommen und brauchte drei Tage und drei Nächte, das alles in ein Verhältnis zu bringen und den Song aufzubauen. 'Lost' brachte schließlich den Knoten zum Platzen."

Das bringt uns zu einem interessanten anderen Thema: Bei einem Konzert erzählte Robin, dass er den älteren Song "The Sea" für seine Tochter Hope geschrieben habe - dass diese aber alles andere als begeistert darüber gewesen sei, weil es ein trauriges, episches und langsames Stück ist. Nun gibt es auf der neuen Scheibe ja einige Up-Tempo Nummern: Ist da vielleicht noch einmal etwas für Hope dabei? "Keine Chance", lacht Robin, "es ist cool für sie, wenn ihre Freunde Songs von mir im Radio hören oder mich bei einem Konzert sehen. So lange es cool ist, ist es okay für sie - ansonsten ignoriert sie mich vollkommen. Die Jugend heute hat einfach keinen Respekt mehr." Noch mal zum Thema Up-Tempo-Songs: Warum befindet sich gerade ein langsames Instrumental am Beginn der Scheibe? Ist das nicht ein wenig wagemutig? "Also das komische ist, dass es nur so funktioniert", verrät Robin, "die Leute, denen ich die Scheibe gegeben habe, sagten alle übereinstimmend, dass die Scheibe zwar gewöhnungsbedürftig ist, was den Aufbau betrifft, dann aber funktioniert. Es war eine bewusste Entscheidung für mich, das Instrumental an den Beginn zu setzen, auch weil es eine Geschichte und eine Bedeutung hat. Und ich wollte auf jeden Fall eine Wiederholung von 'People Are Like Seasons' vermeiden. Das mag gewisse Leute abschrecken, die gar nicht über den ersten Song hinauskommen - aber für diese Leute habe ich das Album ja nicht gemacht. Ich habe es für die Sophia-Fans gemacht und die werden der Platte eine Chance geben. Da bin ich zuversichtlich." Woher kommt dann die Unsicherheit in Bezug auf die Art, in der die Scheibe aufgenommen würde? "Sophia-Fans können auch ganz schön wankelmütig sein", überlegt Robin, "wenn ich da an manche Einträge im Gästebuch nachdenke, wenn denen mal eine Show nicht gefallen hat oder mein Verhalten dort." Robin ist bekannt dafür, dass er bei Konzerten kein Blatt vor den Mund nimmt, und sich auch schon mal mit dem Publikum anlegt, wenn ihm etwas nicht passt (zum Beispiel wenn zu laut geredet wird). "Live Shows sind auch die Dinge, die die gegensätzlichsten Reaktionen hervorrufen. Ich erinnere mich sogar an unsere ersten Reviews mit God Machine. Der Melody Maker machte uns zum Beispiel nieder. Damals wurde mir dann aber klar, dass man nicht jedermann zu jeder Zeit gefallen kann. Und das ist noch heute so. Ich bin kein Affe, dem du Erdnüsse zuwerfen kannst und der dann tut, was du möchtest. Die Sophia-Fans erwarten von mir immer konstante Höchstleistungen, aber ich darf nichts von ihnen erwarten - zum Beispiel, dass sie zuhören ohne zu stören. Und das macht mir Sorgen. Das hat mich auch dazu gebracht, die Sophia-Fans mit anderen Augen zu sehen. Deswegen bin ich auch so unsicher, was die Reaktion auf meine Alben betrifft. Aber was soll's: 'C'est la vie!'"

Sophia-opperherder Robin Proper-Sheppard ontsnapt met nieuwe plaat uit zwarte gat
(by Kristof Bohez, Het Nieuwsblad, 5/11/2006)

Neen, het ging niet goed met Sophia. Frontman Robin Proper-Sheppard zat in een dipje, verliet zijn woning voor een afgelegen landhuis en zette zich dan maar tussen de dieren te lezen. Welaan dan; als de Amerikaan met een Brussels verleden er dán nog een plaat uitperst, weet je dat je goed zit.

Voor hij in 2001 weer in Londen ging wonen om dichter bij zijn dochtertje Hope te zijn, was Robin Proper-Sheppard een jaar of vier Brusselaar. ,,Ik hield mijn flat in de Dansaertstraat daarna nog twee jaar, terwijl ik er niet één keertje meer terugkwam. Zelfs toen ik opnieuw in Brussel moest zijn, sliep ik nog liever in een hotel. (glimlacht) Er was gewoon niks voorhanden in mijn flat, snap je? Ik hou niet van een lege ijskast, maar ik hield gewoon van het idee om in die buurt een appartement te hebben. Nu is het er peperduur en zijn de huurprijzen er wellicht verdriedubbeld, maar toen was het wonen er spotgoedkoop. Toen ik daadwerkelijk in Brussel woonde, betaalde ik meer voor een opslagruimte voor oude platen en spullen van mij in Londen dan voor mijn Belgisch onderdak. Ik mis mijn flat in Brussel soms nog, echt waar.''

Begrijpelijk, de band tussen België en Proper-Sheppard (of beter nog: Sophia) is altijd van het soepelste rubber geweest, getuige daarvan de cd die hij in 2002 in Antwerpen opnam en toepasselijk De Nachten noemde. Wist de zanger-gitarist toen veel dat zijn donkerste nacht nog moest komen en hij zowaar in het muzikale zwarte gat zou verzeilen.

Nieuw lief na donkere nachten

,,Het laatste jaar heb ik op het platteland gewoond'', aldus de man die in ons land wel eens aan de toog hing met Tom Barman of Tim Vanhamel.

,,Wil je een foto zien van dat huis even buiten Londen? (dist zijn mobieltje op uit een tas en laat een afbeelding van een prachtig wit, statig landhuis zien) Via een vriend van mijn ex-vrouw, de moeder van Hope, belandde ik in dat huis, op 25 minuten wandelen van het dichtstbijzijnde dorp. Voor een jaar was ik er alleen met mezelf. Ik wou weg uit de stad. Ik ben een romanticus, jazeker. Toen ik het allemaal niet meer zag zitten, heb ik me in dat lege landhuis gewoon neergezet, en uren aan een stuk boeken gelezen. Daarvoor had ik geen inspiratie meer en waren de songs die ik voor de nieuwe Sophia-plaat al geschreven had gewoon niet goed genoeg. Ik wil ook niet zoals zoveel r&b-sterren telkens opnieuw hetzelfde album maken. Kijk: een paar dagen heeft Sophia helemaal opgehouden te bestaan. De rust, de bezinning en de dieren rond het huis hebben me weer levenslust gegeven. De schapen, de paarden en de eekhoorns hebben mij gered, jazeker. Even heb ik eraan gedacht dat gegeven in een songtekst te verwerken, maar dat zou iets te zielig geweest zijn. (lacht) Ik ben een romanticus, absoluut.'

'Maar, zo opperen we, het moet dezer dagen niet makkelijker zijn dan vroeger om in romantiek te blijven geloven als liefdesbrieven vervangen worden door e-mails, of zelfs sms-berichtjes. ,,Zo is het maar net'', zucht de netjes in het zwart geklede muzikant die voor ons zit. ,,Kijk, er is nu stilaan weer iemand in mijn leven met wie het lijkt te klikken, en ook met haar komt het verhaaltje op gang via tekstberichten. Gek eigenlijk: zo weinig informatie over elkaar en toch beginnen veel relaties blijkbaar op die manier! Triest vind ik dat.''

Drama in de mist
Proper-Sheppard is er de man naar om dingen triest te vinden. Zijn nieuwe plaat staat vol van de tristesse, maar dan zo vakkundig en ook gewoon heel mooi verpakt dat een mens in herfststemming er zowaar een zonnig gemoed van krijgt. Als u de teksten van Technology won't save us maar niet gaat uitpluizen, want daar krijgt de melancholie van Sophia soms schrikwekkend de overhand. De openings- en titeltrack bijvoorbeeld verwijst naar een vader - echt gebeurd! - die enkele jaren geleden met zijn zoontje op de schouders ging wandelen langs de Britse kust, en samen met dat zoontje even plotseling als onverwachts in een dichte mist belandt.

Gevolg: vader, nog steeds met zoontje, verdwaalt maar houdt contact met de reddingsdiensten via gsm. Om uiteindelijk, in een ultiem samenzijn met zijn zoontje, door koude en ontbering het leven te laten luttele minuten voor de kustwacht de twee terugvindt. ,,Dat nieuwsbericht heeft echt mijn hart gebroken'', bekent Proper-Sheppard. ,,En weet je wat nog erger is? Het onderzoek dat gevoerd werd na de tragedie wees de vader aan als schuldige in het verhaal! Die moeder, zus en gezinsleden hebben echt geen regering nodig om het mes nog wat dieper in de wonde te draaien. Dat is ook de reden waarom ik dat nummer niet naar de familie zal opsturen. Ik hoef hen niet te vertellen hoe ze dat drama moeten interpreteren.''

Hope doet leven
,,Ik heb ook een dochtertje'', windt Proper-Sheppard zich zichtbaar op. ,,Het enige wat je als vader wil doen, is dat kind beschermen. Zo vertel ik Hope ook bewust niet wat ik precies wil zeggen met al mijn teksten. Ik weet wel dat mijn houding tegenover het leven nogal donker is. Just a fucked up attitude. Het is soms echt niet makkelijk om mij te zijn. Maar als je tegen een kind praat, besef je ook wel: mensen zijn niet per se smeerlappen. Hope zit bijvoorbeeld samen op school met het nichtje van Lily Allen, dat dan uit het hoofd van die teksten over hoeren en crack zingt. Als Hope thuis dan ook die teksten meezingt, vind ik dat maar niks. Jezus, ik kan eigenlijk niet geloven dat ik die cd van Lily Allen in huis gehaald heb!

''Neen, dan liever Belgische bands als dEUS of Millionare voor Proper-Sheppard. ,,Het was Wouter, een Belgische vriend van mij, die me Millionaire leerde kennen. Later zag ik hen in het voorprogramma van Queens Of The Stone Age in Londen: ze waren geweldig. Nu heb ik zelfs al een nummer van hun jongste plaat gedownload dat ik wel eens draai als ik deejay speel. Een groep van jullie die ik onlangs ook ontdekte, is Girls in Hawaii: echt geweldig.''

(by Joris Vanden Broeck, 8/11/2006, GODDEAU.COM)

Een artiest die — afgesleten laarzen aan de voeten, gitaarkoffer in de hand — door Brusselse steegjes doolt om uiteindelijk in een volkse brasserie plaats te nemen om te praten over zijn nieuwe plaat. Hoe cliché het plaatje ook lijkt, in het geval van Sophia-bezieler Robin Proper-Sheppard lijkt het vooral te kloppen.

De man heeft een woelig jaar achter de rug en het scheelde maar een haartje of Technology Won't Save Us, 's mans nieuwe meesterwerk, had het levenslicht nooit gezien. Na voorganger People Are Like Seasons sloeg de vertwijfeling toe, maar tijdens een verblijf in Hope House op het Britse platteland bleek Robin Proper-Sheppard nog een prachtplaat onder de leden te hebben zitten.

goddeau: Je hebt een tijdje in deze stad gewoond en bestelde zonet je drankje in het Frans. Kan je je in die taal uit de slag trekken?
Robin Proper-Sheppard:
"Neen. Ik ken er net genoeg van om meisjes aan te spreken of een biertje te bestellen. (Lacht) Maar ik heb een jaar of drie hier in Brussel gewoond. Ik ben hier in 2001 vertrokken, maar mijn flat heb ik nog twee jaar gehouden, gewoon omdat ik absoluut niet zeker was of ik echt uit Brussel zou vertrekken."
"Tegenwoordig woon ik op het platteland, op een goede twee uur rijden van Londen. Daar heb ik het laatste jaar zitten schrijven en opnemen. Maar binnenkort trek ik terug de stad zelf in, vooral omwille van mijn dochter. Ze heeft pakweg drie keer per week ballet, ze doet toneel op zaterdag, Franse les op nog een andere dag. Haar agenda overschaduwt de mijne totaal."

goddeau: Je hebt best wat ervaring met wonen in verschillende steden. Welke raad je aan?
"Ik zou zeggen: de plaats waar je geliefden zijn. Je kan in de meest erbarmelijke plaats ter wereld zitten, maar zolang daar iemand is om wie je geeft, maakt dat allemaal niet uit."

goddeau: Bij het verschijnen van je vorige plaat, People Are Like Seasons, zei je tegen goddeau dat die plaat zo goed was dat je het ergste vreesde voor de opvolger.
"Dat meende ik op dat moment werkelijk. Toen People Are Like Seasons net af was, was het echt de beste plaat die ik ooit gemaakt had. Ik had voor het eerst het gevoel dat ik Sophia ten volle had benut: voordien was alles meer akoestisch en ingetogen en pas bij die plaat werd duidelijk dat er veel meer mogelijk is binnen Sophia."
"Deze plaat, Technology Won't Save Us, was best een zware bevalling en in die zin is die voorspelling ten tijde van People Are Like Seasons uitgekomen. Ongeveer een jaar geleden zat ik in zak en as. Ik wist dat ik het materiaal absoluut niet had voor nog een Sophia-plaat, of toch niet voor een waar ik me goed bij zou voelen. Ik raakte er echt van overtuigd dat er geen nieuwe Sophia meer zou komen."
"Integriteit is altijd heel belangrijk geweest voor mij, eender bij welke groep het was dat ik muziek maakte. Als ik niet van mezelf weet dat ik 100% van mijn hart in de muziek gelegd heb, dan hoeft het helemaal niet. Behalve dan misschien bij The May Queens, maar bij die band was het expliciet de bedoeling dat het grappig zou zijn. Maar bij Sophia en The God Machine is het altijd voor de volle 100% menens geweest."

goddeau: Waarom was deze plaat zo moeilijk om te maken?
"Geen idee. Vorig jaar heb ik mijn flat in Londen opgezegd, er was niets dat me inspireerde en ik wist echt niet wat te doen. De eigenaar van Hope House, het plattelandshuis waar ik momenteel woon, deed me toen een fantastisch aanbod. 'In plaats van iets dramatisch te doen, Robin, en weer zomaar naar weetikveelwaar te trekken', zei hij, 'waarom kom je niet naar dit huis, je mag er zo lang blijven als je wilt.Probeer gewoon met iets naar buiten te komen.'"
"Bij gebrek aan beter ben ik dan maar, met lichte tegenzin, op zijn aanbod ingegaan. Ik ben in Hope House ingetrokken, zonder zelfs ook maar een instrument mee te nemen. Ik bracht de tijd door met lezen, naar muziek luisteren en wandelen, maar dat laatste vooral uit noodzaak: het was een klein halfuur stappen naar het eerste dorpje. Na verloop van tijd begon de zwaartekracht langzaam terug greep op me te krijgen. Door het spelen van een kleine akoestische tour begon ik weer in te zien waarom ik muziek maak en zo ben ik langzaam uit het dal geraakt.

goddeau: Je hebt geen hulp van buitenaf ingeroepen?
"Dat de plaat er uiteindelijk toch gekomen is, is vooral dankzij Jeff (Townsin, Sophia-drummer, jvb). Hij dwong me echt naar de demo's en de songschetsen te luisteren en wist me ervan te overuigen dat er een waardige Sophia-plaat inzat. Zonder hem was Technology... er nooit gekomen."
"Het is behoorlijk ironisch, want op de drums na speel ik op deze plaat alle instrumenten zowat zelf, maar toch heb ik het gevoeld dat dit de eerste groepsplaat is die ik maak sinds The God Machine. Altijd ben ik omringd geweest door muzikanten, maar ze hebben nooit zo in muziek geloofd als ik doe, behalve dan Jeff nu. Het was hij die geloofde dat we er iets speciaals van konden maken, het was hij die wist dat de nummers iets waard zouden zijn. Zoals "Big City Rot": Jeff heeft me bijna moeten smeken om dat nummer op de plaat te zetten. Ik zag gewoon niet in dat de nummers die we hadden goed genoeg waren."

goddeau: Weet je waar dat gebrek aan zelfvertrouwen, om het zo te noemen, plots vandaan kwam?
"Ik geloofde wel in mezelf, maar niet in de songs die ik had. Ik denk dat het succes van People Are Like Seasons daar veel mee te maken had. Die plaat heeft alle verwachtingen zwaar overtroffen, wat maakte dat ik voor mezelf zeer hoge eisen stelde voor de opvolger. Ik kon niet van de fans verwachten dat ze om het even wat zouden kopen en beluisteren gewoon omdat het Sophia is. Het zou niet eerlijk zijn nummers uit te brengen waar je zelf niet in gelooft. Je bedriegt niet alleen de mensen die je plaat kopen, maar ook jezelf. Het is als een pact sluiten met de duivel. En dat wou en kon ik echt niet."
"Jeff wist dat ik héél dicht was bij het opdoeken van de band en we hebben, na de akoestische toer, meer dan een maand heel intens aan de nieuwe songs gewerkt, iets dat uniek was sinds The God Machine, en door zijn inzichten is deze plaat er uiteindelijk toch gekomen."

Hoe het hierna verder gaat, weet ik absoluut niet. Ik geloof in muziek en ik geloof in wat het met me doet en hoe het mijn gevoelens verandert, maar ik heb echt geen idee of er hierna nog een plaat komt. Technology Won't Save Us was really fucking hard for me to make, but really. Ook na het maken van de plaat was ik nog een hele tijd onzeker. Ik zat in Duitsland voor interviews met Rolling Stone en al die bladen en eigenlijk zat ik daar maar. Er waren exact nul concerten geboekt op dat moment, ik had geen flauw idee of iemand de plaat de moeite van het beluisteren waard zou vinden, heel weird allemaal. Ondertussen is alles gelukkig een beetje bijgedraaid. De eerste reacties komen binnen en veel mensen vinden het de beste Sophia-plaat ooit. Oké, niet veel, maar toch al zeker vier mensen, maar goed. (lacht) Er zijn concerten gepland en ik wil echt de baan op om deze nummers te gaan spelen en te laten horen aan iedereen. Ik wil gitaren inpluggen en lawaai maken. Het mag subtiel lawaai zijn, maar het moet de moeite zijn, snap je? Ik wil niet dat toeschouwers achteraf denken: 'dat was Sophia-concert nummer zoveel.'"

goddeau: De inspiratie voor de titel van dit album vond je in een dramatische gebeurtenis voor de Britse kust: een vader en zijn zoontje die, bijna onder de ogen van de kustwacht, verdrinken. Hoe inspireert zoiets tot een instrumentaal nummer?
Proper-Sheppard: "Het nummer, of liever het basisidee, is reeds een viertal jaar oud. Oorspronkelijk was het de bedoeling dat er tekst zou volgen. Maar elke poging die ik deed om er een tekst bij te schrijven, leidde tot niets, zodat we het instrumentaal lieten. Het was ook het enige nummer waarvan ik zeker wist dat het op de plaat moest staan. Technology... had een heel ander album kunnen zijn, met andere nummers en een andere volgorde, maar dit was hoe dan ook de openingstrack geweest. De titel is voor een stuk ironisch. Technologie kan ons wel redden, denk aan die medische dingen, of hoe het je leven soms gemakkelijker maakt. Maar af en toe blijkt technologie niet in staat mensen te redden, zoals de vader en zijn zoontje die verdronken hoewel de kustwacht vlakbij was en ze zelfs telefonisch in verbinding stonden. En technologie kan ons leven misschien wel simpeler maken, het zorgt er ook voor dat we minder over dingen nadenken. Neem nu sms-berichten. Daardoor is er heel wat romantiek verloren gegaan. Heelder relaties worden serieus op basis van enkele regeltjes tekst op een gsm. Je eindigt met wat je denkt dat een serieuze relatie is, maar je weet uiteindelijk zo weinig van elkaar als wanneer je elkaar bijvoorbeeld gewoon zou bellen. Ik weet niet hoe het bij jou zat, maar toen ik jong was, spendeerde ik soms vijf à zes uur aan de telefoon om met mijn vriendinnetje te praten. Ik vraag me af hoe zulke dingen bij mijn dochter gaan lopen als ze er de leeftijd voor heeft. Het is uiteraard zoals het is en er is niets aan te doen, vrees ik. Communicatie verandert, en op zich is dat goed, maar ook de basis van communicatie verandert en dat is jammer. Het is de uren aan de telefoon doorbrengen om met je liefje te spreken, goed wetende dat je elke cent die je hebt aan het opbellen bent, maar je wilt blijven praten. Dàt is romantiek."

SONGS MIT TIEFSCHWARZEN ANSICHTEN – Ein kreativer Schub kam vom Schlagzeuger
(by Ulrike Rechel, echo-online.de, 1/11/2006)

Robin Proper-Sheppard ist es gewöhnt, dass viele ihn für einen melancholischen Pessimisten halten. Das liegt an der Stimmung seiner Musik, die er seit Ende der neunziger Jahre unter dem Namen „Sophia“ herausbringt: romantisch melodiöse Gitarrensongs mit tiefschwarzen Ansichten über vergehende Liebe, Verlust und Tod – oft gewürzt mit einer Prise Sarkasmus.
Auch das mittlerweile fünfte „Sophia“-Album (erschienen bei City Slang) entspricht da ganz dem Bandprinzip des groß ausgespielten Gefühlskinos.
Diesmal besingt Proper-Sheppard persönliche Erlebnisse wie den Verlust der verstorbenen Mutter oder den Erschöpfungszustand eines engen Freundes; das Titelstück dreht sich dagegen um eine Tragödie, die der Songschreiber aus den britischen Fernsehnachrichten hat: die Geschichte eines ertrinkenden Vaters und seines Sohnes, die nicht aus den Fluten gerettet werden konnten, obwohl bis zuletzt Funkkontakt per Handy bestand.
„Technology won’t save us“ („Technik wird uns auch nicht retten“) lautet der passend finstere Songtitel. Entsprechend aufgewühlt klingt auch der Song, der sich vom ruhigen Streicherstück in einen verzerrten Gitarrenausbruch hochschraubt – und der dabei ganz ohne Songtexte auskommt.
Als „Schlüsselsong“ des neuen Albums sieht der gebürtige Kalifornier allerdings die vergleichsweise stille Gitarrenballade „Big City Rot“. In dem schlicht belassenen Akustiksong sinniert der Songschreiber mit erschöpfter Stimme über den Druck, den seine Wahlheimat London gelegentlich auslösen kann.
„Das ist eine Art persönliche ‚Anti-London-Hymne‘“, erzählt er, „Allerdings habe ich im Vorfeld des neuen Albums eine ganze Menge Anti-London-Hymnen geschrieben“. Letzten Endes aber „liebe“ er die britische Metropole. „Dort lebt schließlich meine neunjährige Tochter, und ich habe im Grunde mein gesamtes Erwachsenenleben dort verbracht. Dennoch musste ich mir zuletzt dringend eine Auszeit nehmen und für eine Weile aufs Land ziehen. Ich habe also damals meine Wohnung und mein Studio gekündigt – und meine Sachen eingelagert.“
Der Grund für den „Fluchtversuch“ sei eine ziemlich „ernste Selbstbewusstseinskrise“ gewesen: „Also wollte ich in irgend einen Flieger steigen und abhauen, vielleicht nach Osteuropa oder Australien. Das mag ein bisschen nach Davonlaufen klingen – was es wohl auch war.“
Einen kreativen Schub löste schließlich Schlagzeuger Jeff Townsin aus, der sich eines Tages das gesammelte Songmaterial des Freundes anhörte, und ihn von dessen Qualität überzeugte. „Hätte er sich nicht eingemischt, wäre diese Platte nie entstanden“, ist sich Proper-Sheppard sicher.
„Bestes Beispiel ist wieder ‚Big City Rock‘. Ich hielt das Stück anfangs für nichts Besonderes; bis sich Jeff mit mir an meinen Laptop setzte und wir gemeinsam durch die Songs klickten. Er war es, der den Song ‚entdeckte’ und meinte, dass er das Zeug zum Sophia-Klassiker hätte.“
Mittlerweile ist der Enddreißiger voller Stolz über sein neues Werk. „In gewisser Weise ist es eine Art Best Of Sophia, finde ich. Es setzt sich aus all den Elementen zusammen, die ich schon immer gemacht habe: aus aufwendigen Orchesterarrangements, einfachen Akustiksongs, harten Noise-Tracks. Nur geht jeder Song ein bisschen über das Alte hinaus. Es ist ein Album der Extreme. Und insofern fasst es gut zusammen, was für einen Stress ich damit hatte“, so Robin Proper-Sheppard.

(by Bernard Dagnies, www.musiczine.net, 12/10/2006)

Robin Proper-Sheppard est un type hyper sympa, fort intéressant, mais particulièrement torturé. Pas toujours très sûr de lui, non plus. Ce qui peut paraître paradoxal, lorsqu'on connaît l'œuvre de feu God Machine, de Sophia et puis la qualité des prestations 'live' que son groupe est capable d'accorder. Après avoir terminé l'enregistrement de son nouvel album, 'Technology won't save us', il craignait la réaction du public et même de la presse. A un tel point que trois semaines avant la sortie officielle du disque, il n'avait toujours rien organisé : ni promo, ni planning de tournée. En fait, c'est à travers les interviews que Robin parvient à dissiper ses doutes et ses incertitudes. Et pourtant, son nouvel opus est tout à fait remarquable. Robin confirme le profil inattendu de sa personnalité…
« Oui, c'est exact. Après avoir sorti cet album, j'étais dans l'incertitude la plus totale. Encore plus que pour les autres. J'étais envahi par le stress et l'anxiété. Et le fait d'en parler avec la presse me rassure. Un ami journaliste m'a un jour confié que dans mes lyrics je m'exprimais beaucoup en noir ou en blanc. Pourtant, rien n'est jamais tout noir ou tout blanc. Je n'avais jamais pensé à ça. En acquérant de la maturité, j'accepte que les choses soient bien plus nuancées… » Encore que dans la chanson 'Pace', il déclare 'Nous ne pouvons changer le monde'. Robin s'explique : « J'ignore si c'est une bonne ou une mauvaise chose. Si on ne peut le changer, il faut l'accepter. A partir du moment où tu acceptes les choses telles qu'elles sont, tu dois t'y faire. Ou alors, il y a moyen d'améliorer les choses. Pourquoi accepter ce qui est perfectible ? Tu vois ce que je veux dire ? En général, je ne suis pas quelqu'un de très positif, mais cette chanson l'est… » Alors, finalement, ce 'Technology won't save us' est un vivier de messages ? Rien que le titre de l'opus y fait penser. Robin réagit : « Je n'en sais trop rien. Beaucoup de gens me le disent. Fondamentalement non. Je ne pense pas que ce que je fais aujourd'hui soit tellement différent. Même si c'est à la fois différent et pas différent (NDR :?!?!?). D'abord, je n'étais pas convaincu encore être capable d'enregistrer un nouvel album. » Oui mais pourquoi la technologie ne peut pas nous sauver ? Robin répond : « Tu connais le récit de cette chanson ? C'est un faits-divers authentique. Un père et un fils travaillaient sur la plage. Puis soudain, le temps a changé. Le vent s'est levé, le brouillard est tombé et la marée est montée. Résultat, ils ne retrouvaient plus leur chemin. Le père disposait d'un portable et a contacté les services de secours qui se trouvaient à une centaine de mètres. Ces derniers entendaient le bruit de la mer dans le récepteur, ils étaient tout proches, mais ils ne parvenaient pas à les localiser. Le gamin était même grimpé sur les épaules de son père. Mais malheureusement, ils se sont noyés. Donc la technologie n'a pas permis de les sauver. Maintenant, il faut comprendre cet événement au sens spirituel. On sait que la technologie épargne, prolonge des vies. Simplifie les procédures. Enfin on l'imagine, car cette forme de simplification les rend aussi plus compliquées. Je veux dire que l'excès de technologie rend les gens plus dépendants, moins intelligents, incapables de réfléchir voire de réagir… »
Cette compo est instrumentale, construite sous la forme d'un crescendo. Comme lors d'une symphonie moderne au cours de laquelle Robin se muerait, en quelque sorte, en chef d'orchestre. » En 2001, il avait d'ailleurs réalisé ce type de projet lors des 'Nachten'. Robin précise : « Avec un quatuor à cordes. En fait, il aurait fallu beaucoup plus de musiciens : au moins huit pour les cordes et quatre aux cuivres. Et une tournée plus conséquente. Mais cette expérience était formidable. Je me souviens même que le public avait souhaité un 'happy birthday' à ma fille. Le fait de réaliser un projet et d'être surpris du résultat suscite un sentiment très fort au fond de toi-même. De très positif. Mais je ne sais pas si je serai encore capable d'accomplir un projet pareil dans le futur. Je me vois d'ailleurs difficilement le reproduire. C'est unique en son genre. Un mélange entre l'œuvre, l'auditeur et le compositeur. Trois éléments en même temps. En symbiose… Je rêve vraiment d'incarner un personnage créé de toutes pièces. J'apprécie tout particulièrement m'asseoir et contempler mon œuvre, plutôt que de communiquer en empoignant une guitare et en commençant à chanter. Sortir de moi-même et me regarder. C'est une forme d'autosatisfaction qui me permet d'atteindre l'extase. C'est la musique qui m'aide à transcender mes émotions. Et à cet instant, j'en suis le témoin… Je ne connais pas assez la musique pour jouer au chef d'orchestre ; et d'ailleurs je ne m'habille pas en queue de pie et ne porte pas de nœud papillon. Et pour moi, la baguette, ce serait plutôt le drumkit. Mais cette chanson m'a tellement pris de temps. Et en particulier pour les arrangements de cordes et de cuivres. C'est un processus d'écriture par essai et erreur au cours duquel je me dis, ça c'est trop joyeux, ça c'est trop triste. Il est très long. Mais je voudrais le voir exécuter sur scène. Certaines personnes me demandent si je ne vais pas concocter un disque symphonique ou exclusivement instrumental. Mais mon écriture vient de manière naturelle. Sans forcer. Enfin, je veux dire les mots. Le gros boulot est venu de la phase instrumentale. Or, les mots viennent de la musique et pas l'inverse. C'est la musique qui engendre le texte. Une chanson comme 'Lost' est née tout naturellement. Je n'ai même pas dû me forcer pour l'écrire. Idem pour 'Big city rot'. Mais c'est parfois tellement difficile d'expliquer d'où la muse vient. Et je dois accepter cette situation… »
'Birds' est probablement la chanson la plus sophistiquée du nouvel album. Les arrangements me font même parfois penser à ceux utilisés par Neil Hannon chez Divine Comedy. Robin réagit : « Je ne connais pas The Divine Comedy. Je me souviens du travail nécessité pour les cuivres, lors des sessions d'enregistrements de l'album. Il y avait un type d'harmonie que je souhaitais développer en leur compagnie. Et on s'est parfaitement compris pour le réaliser. Maintenant, j'estime que mon style de songwriting est très simple. Et je ne cherche jamais à en remettre une couche. Cela ne sert à rien. Par rapport aux albums précédents, j'ai eu un mal fou à me remettre à bosser. Je traversais une crise de confiance. Je ne savais pas du tout où j'allais. Mais dès que je suis passé à travers, c'est un peu comme si la nature avait repris ses droits. J'ai fait appel au même type d'instrumentation que lors de l'album précédent. Mais, il est vrai que la genèse de ce disque est assez étrange. Et dans cette étrangeté, je n'étais pas sûr que le public allait s'y retrouver. Je sais que ma réaction peut paraître étonnante lorsqu'on sait que je suis dans le métier depuis une quinzaine d'années. De nombreuses personnes m'ont déclaré que c'était le meilleur album de Sophia, à ce jour. Je le pense. Enfin, je l'espère. C'est vraiment étrange… »
Deux autres plage, 'P1/P2' et 'Lost (she believed in angels)' réverbèrent des sonorités de guitare rappelant les Chameleons et House of Love. Serait-ce une coïncidence ? Robin admet : « Tout à fait d'accord. Mais ce qui est amusant à ce propos, c'est qu'à l'écoute de ces chansons j'étais anxieux parce que je pensais qu'elles semblaient un peu trop destinées au 'stadiums rock'. A cause des grosses guitares. Et j'ai posé la question à mes amis. Ils m'ont rassuré en m'expliquant que ce type de chanson relevait de ma créativité et puis collait bien au groupe. Mais franchement, j'ai beaucoup hésité avant de les inclure sur le disque. » Le dernier de l'opus, 'Theme for the Mary Queen' est encore plus noisy. Depuis God Machine, Robin ne s'était plus autant lâché. Enfin chez Sophia. Car, il a également monté un groupe parallèle : The Mary Queens (NDR : cherchez l'erreur !) Une formation qui ne lésine pas sur l'électricité. Robin confesse : « A début de cette année, j'ai accompli une tournée acoustique. Et le groupe Vito m'accompagnait pour assurer le supporting act. A la fin du set, on interprétait quelques chansons ensemble. Simplement pour prendre notre pied. Ce type de musique fait partie de mon univers. Elle me sert en quelque sorte de soupape. Quand il y a trop de pression. Et finalement, je me suis dit pourquoi je ne reproduirai pas cela avec Sophia ? Je n'allais quand même pas me renier. Et puis merde après tout, j'ai aussi le droit de prendre mon pied. De faire ce que j'ai envie de faire…» D'ailleurs, Robin écoute toujours du punk issu des sixties. Et en particulier les Electric Prunes ou encore les 13th Floor Elevators. Celui des eighties aussi. Ajoutant : « Il est incroyable que cette musique se régénère tous les 20 ans et refait surface… »
Puisqu'il nous parle de Vito, formation qui a rejoint son label The Flower Shop Recordings, il était intéressant de savoir quels sont les artistes qui figurent aujourd'hui dans son écurie : « Vito, un groupe de Cardiff. Copenhagen. Ils vont faire un break maintenant. En fait, ils doivent récupérer, car il y a deux jours on s'est réuni et ils ont un peu trop carburé (rires). Gamine. Il y a aussi des artistes qui travaillent encore avec moi, mais il n'est pas sûr qu'ils continueront. Mais il y en a d'autres. Dont je tairai les noms. Des trucs épatants. Tu comprends mieux pourquoi, la confection d'un nouvel album de Sophia nécessite autant de temps, maintenant… »
'Twilight at the hotel Moskow' est un autre instrumental. Une assez jolie compo qui n'évoque pas le souvenir d'un voyage en Russie, mais en Serbie. A Belgrade, très exactement. Au cours duquel il avait logé à l'hôtel Moskow. « J'y ai accompli une croisière sur le Danube. C'est une chanson étrange traversée de différents courants : bohème, country, jazz, etc. Mais aussi un mélange d'émotions. Une chanson vraiment représentative d'une manière étrangement abstraite du concept Sophia.

DIE TRAURIGKEIT VON VON SOPHIA - Wenn der Funk nicht mehr hilft.
(by tsch, newsflex.de)

Wer seine Platte "Technology Won't Save Us" nennt, kann kein besonders optimistischer Zeitgenosse sein. Sophia-Mastermind Robin Proper-Sheppard hat es getan. Er hat sogar einen konkreten Grund dafür gehabt. Und dennoch ist sein neues Album für seine Verhältnisse geradezu sonnig ausgefallen.

Robin Proper-Sheppard weiß, wie Leid klingt, oder klingen sollte, wenn es um Popmusik geht. In seinem persönlichen Fall klingt es zauberhaft, betörend, gefährlich. Zumindest für uns Zuhörer. "Technology Won't Save Us" heißt es diesmal. Und wenn man es sich genau überlegt, hatte man genau diesen Satz auch schon öfter auf der Zunge, sei es, als der Bankautomat mal wieder kein Geld ausspucken wollte, als das Mobiltelefon im fernmündlichen Streit kurz vor der Versöhnungsphase den Geist aufgab oder als der überemsige Hausmeister im Hinterhof einen zuletzt morgens um acht mit einem mordslauten Laubbläser aus dem Schlaf schreckte. Proper-Sheppard indes hält sich mit derlei Oberflächlichkeiten selten auf und hat selbstredend eine weit schrecklichere Anekdote parat, die diesen Titel rechtfertigt: Er bezieht sich auf eine britische Nachrichtenmeldung. Vater und Sohn, verloren vor der Küste, das Wasser steht ihnen sprichwörtlich bis zum Hals und steigt unaufhaltsam. Ein Rettungsteam ist unterwegs, steht gar im Funkkontakt mit den beiden. Doch die Zeit reicht nicht - als die Retter eintreffen, sind Vater und Sohn tot. Ertrunken. Technology won't save us, sofern sie nicht rechtzeitig vor Ort ist.

Umso erstaunlicher ist es, dass Proper-Sheppard, als er den Raum betritt, strahlt. Er ist bester Laune, stolz auf seine neue Platte, zufrieden mit seinem Privatleben und redet wie ein Wasserfall. Kaum zu glauben, dass dieser Mann sich in seinen Songs so überzeugend auf die tristesten Seiten des Lebens zu schlagen vermag. "Eine Zeit lang war ich wirklich sehr verzweifelt", gibt er zu und zeichnet ein präzises Bild des ersten großen Verlustes in seinem Leben: Jimmy Fernandez, sein Kollege bei seiner früheren, ersten Band God Machine und einer seiner engsten Freunde, erlag im Alter von nur 28 Jahren einem Gehirntumor. "Als Jimmy starb, starb auch God Machine. Vielleicht ist das der Grund, weshalb ich danach zum musikalischen Einzelgänger wurde. Solche Freunde und Musiker findet man nicht so leicht." Seine eigenbrötlerische Arbeitsweise mit Sophia, so verstehe er jetzt, sei keineswegs einem Kontrollzwang entsprungen - vielmehr habe er so einfach seine Verlustängste ausblenden können. "Diesmal habe ich das erste Mal wieder eine Art Wir-Gefühl zu meinen Mitmusikern aufbauen können", freut er sich. "Und mein Schlüssel dazu heißt Reflexion. Ich war so lange gefangen in meinem eigenen Schmerzenskonstrukt, dass ich kaum darüber hinausblicken konnte. Nun sehe ich viele Dinge klarer. Und habe die meiner Meinung nach positivste Platte unter dem Namen Sophia aufgenommen, die ich je gemacht habe."

"Reflexion" heißt in seinem Falle, Schmerzen wirklich zuzulassen, anstatt nur schöne Worte dafür zu finden. "Erst dann merkt man, dass auch so viel Positives daran geknüpft ist", staunt er. "Die Geschichte von Vater und Sohn vor der englischen Küste ist grausam. Aber andererseits ist sie auf eine morbide Art und Weise beinahe romantisch: In ihrer schwärzesten Stunde hatten die beiden immerhin einander und waren nicht allein. Ich habe lange darüber nachgedacht, was gewesen wäre, wenn einer der beiden überlebt und den anderen für immer verloren hätte. Und ich bin zu dem Schluss gekommen, dass dieser Ausgang wesentlich schrecklicher gewesen wäre."

"Lost (She Believed In Angels)", der seiner Meinung nach positivste Song des Albums, handelt vom Tod seiner Mutter. "Als sie starb, sagte sie, ich solle etwas Positives darüber schreiben", erinnert er sich, und man bekommt feuchte Augen. "Ich habe Jahre gebraucht, bis ich es hinbekommen habe. Nun verstehe ich die Ruhe, von der sie vor ihrem Tod sprach. Sie war bereit, zu gehen. Nun kann ich alles reflektieren und in seiner Gesamtheit verstehen. In allem Traurigen liegt auch etwas Positives."

Wenn man bedenkt, wie viel Trostpotenzial gerade in emotional aufwühlenden Platten steckt, ist Robin Proper-Sheppards Schluss nicht verwunderlich. Und genauso wenig muss man darüber staunen, dass der Mann mit den wachen Augen strahlt, wenn er von seiner kleinen Tochter spricht, derentwegen er nach England gezogen ist. Vielleicht ist der Allgemeinplatz, dass diejenigen, die sich mit viel Leid auseinandersetzen mussten, einen besonderen Blick für die Positiven Dinge des Lebens haben, gar nicht so klischeehaft, wie man gern unterstellen mag. Eines jedenfalls ist klar: "Technology Won't Save Us." Diese Platte hingegen vielleicht schon. Und sei es nur für ein paar einsame Herbstabende. Was man mitnimmt, wird immer größer sein als die Summe seiner Teile. (teleschau - der mediendienst)

(by Dominique Soenens, Kindamuzik.net, 30/11/2006)

Robin Proper-Sheppard van Sophia is nog steeds geen vrolijke Frans die de ene billenkletser na de andere vertelt. Technology Won’t Save Us heet zijn nieuwe album en het zit weer tjokvol hartverscheurende tristesse.tekst: Dominique Soenens Het vallen van de bladeren, het korten van de dagen: het is het geknipte seizoen voor Robin Proper-Sheppard zou je denken. Alleen lijkt deze ge-emigreerde Amerikaan in levende lijve in niets op een melancholieke bard die al jaren zijn miserie in beklijvende songs giet. Hij spreekt luid, met veel vuur en ziet eruit als een keurig gekapte perfecte schoonzoon. Toch is het leven van Proper-Sheppard de voorbije twee jaar alweer geen zonovergoten feest geweest: zijn moeder overleed en zijn geesteskind Sophia, een losvast ensemble van bevriende muzikanten, werd ei zo na opgedoekt. Toch ligt er sinds eind oktober opnieuw een zwaarmoedige, rijk georchestreerde cd van Sophia in de muziekwinkel.

Waarom doekte je Sophia bijna op?
Wel, ik had wel liedjes, maar ik voelde er niet genoeg bij. Het was te grijs, te middelmatig. Zoals ik zing in ‘Weightless’: “Gimme something that is more than just ok”. Ik wou het mijn fans en mijzelf niet aandoen om met materiaal aan te komen dat volgens mij niet goed genoeg was. Ik had nochtans 35 songs. Zelfs bij The May Queens (punkproject van Proper-Sheppard, nvdr) kan ik het niet over mijn hart halen om volstrekt betekenisloze teksten te zingen. Ik heb de opnamestudio in Londen afgezegd en ben alleen in een landhuis gaan wonen. Ik had geen enkele intentie om nog een nieuwe cd te maken. Het was voorbij, ik was geen muzikant meer. Vanaf toen was ik niet meer ‘Robin Proper-Sheppard, de zanger’, maar gewoon mezelf. Dat was het keerpunt. Beetje per beetje kwam het terug.

Technology Won’t Save Us is geïnspireerd op het verhaal van een jongen die verdronk voor de Britse kust, hoewel zijn vader vlakbij was en met zijn gsm de hulpdiensten tot bij hem probeerde te krijgen. Wat sprak je daarin aan?
De tragische afloop greep me aan, onder andere. Door de dichte mist mislukte de reddingspoging en verdronk de jongen. Ik vind het een hartverscheurend verhaal. Alles wat je als ouder wil, is je kind beschermen. De bittere ironie is ook dat het gebeurde op een mooie vakantiedag, terwijl ze volop aan het genieten waren. Los van dat verhaal is de titel een allegorie voor onze manier van leven: we vertrouwen steeds meer op technologie en steeds minder op onze eigen intuïtie en ideeën. Spiritualiteit en contemplatie verdwijnen. Je kan in enkele uren van hier naar Bali vliegen, maar een groot deel van het reisplezier is net dat je onderweg bent. Technologie neemt het mysterie weg. Toch gebruik ik zelf voortdurend technologische snufjes.

Nick Cave was lange tijd tegen videoclips omdat ze het mysterie uit muziek halen. Bij een ouderwetse hoes kan je allerlei dingen fantaseren, vond hij.
Precies! Ik haat het dat er foto’s van mij genomen worden en ik haat video-opnames. Video’s zijn absurd. Je moet een optreden staan naspelen en je voelt er je slecht bij. Een cd is in het beste geval een goeie weergave van het livegevoel dat je hebt bij een optreden. Dat is de basis. Bij een videoclip film je een playbackversie van een optreden: dat zijn drie stappen die je van het origineel verwijderd bent. Het liefste van al zou ik een cartoonvideoclip willen maken.

Het is natuurlijk ook geen toeval dat jij als donkere songschrijver het verhaal van die verdronken jongen kiest.
Ik wil het niet te dramatisch laten klinken, maar tristesse is een heel belangrijk deel van mijn leven. Mijn moeder zei altijd dat ik teveel nadenk. Ik denk dat ze gelijk heeft. Ik kijk altijd wat er achter dingen zit, ik neem niets zoiets als het is. Daarmee maak ik het mezelf moeilijk, maar het maakt het leven ook interessanter. Soms zou ik willen dat ik minder donker ben, maar ik zie er ook de voordelen van in. Hoe ouder ik word, hoe erger het wordt, heb ik intussen vastgesteld. Ik kan er ook mee lachen. Met Malcolm Middleton heb ik er nog over gegrapt hoe erg het was dat ik niets had om over in te zitten.

Wat ik er nog wil aan toevoegen: ik ben geen singer-songwriter. Daar heb ik de muzikale bagage niet voor. Ik probeer belangrijke momenten in mijn leven vast te leggen in muziek. Ik probeer dingen uit op instrumenten, zo ontstaan mijn songs. Op de duur sta ik niet meer stil bij de muziek, maar denk ik aan hoe ik me voelde toen ik ze schreef. Ze brengen me terug naar een bepaalde toestand, waarbij ik kan wegdromen. Ik hoop dat ik dat ook bij het publiek kan verwezenlijken.

Je speelde alle bas-, gitaar- en toetsenpartijen op dit album. Waarom?
Na mijn inzinking wou ik het alleen doen met Jeff, de drummer. Dit is het eerste echte bandalbum dat ik maakte sinds The God Machine. Op de andere cd’s draaide het rond mij en mijn vrienden, nu hebben Jeff en ik alles gedaan.

Het is opnieuw een heel droefgeestig album. Staan er ook positieve songs op?

‘Lost (She Believed in Angels)’ gaat over de dood van mijn moeder. Een hele droeve gebeurtenis, maar het is wel een heel cerebrale, positieve song. Het gaat meer over het leven dan over de dood. Het klinkt een beetje hippieachtig, maar het kwam er gewoon uit. ‘Theme from the May Queen 3’ is ook een mooie, krachtige afsluiter. Vroeger had ik het gevoel dat ik dat soort harde punkmuziek niet bij Sophia kon spelen. Daarom richtte ik The May Queens op. Maar nu speel ik die luide muziek ook bij Sophia. Ik heb er alleen iets meer subtiliteit in gestoken dan ik bij The May Queens gewoon was.

Je woont niet meer in Brussel. Waarom?
Onder meer omdat mijn dochter school loopt in Londen. Ik ben een zwerver. Ik blijf nooit ergens heel lang.

(by Wouter Van Driessche, Focus Knack, 06/12/2006)

'Of ik dingen verzamel? Ik moet zowat het tegenovergestelde zijn van een verzamelaar. Een antiverzamelaar, als dat woord bestaat. Ik hou helemaal niks bij. Sterker nog: ik heb helemaal niks. Mijn hele hebben en houden past in één enkele valies. Een paspoort, een portefeuille, een laptop, een koptelefoon, een toiletzak, een zonnebril, een boek en een zakje met cadeautjes die ik van mijn dochtertje van negen heb gekregen. Veel meer dan de kleren die ik aanheb, heb ik nooit gehad. Ik kan nogal moeilijk met bezittingen om. Zelfs een vast verblijfadres heb ik niet. Ik zwerf liever zomaar wat rond.'

'Het kwam plots bij me op, zo rond mijn negentiende. Het gevoel dat ik wég moest, om het even waar naartoe. Ik stapte op een Greyhoundbus, met enkel mijn gitaar, mijn rugzak en een paar honderd dollar. Van San Diego via een paar tussenstops naar New York, dan met het vliegtuig naar Europa en Noord-Afrika. Mijn familieleden en vrienden dachten dat het een bevlieging was. Dat ik het gewoon even uit mijn systeem moest krijgen. Maar ik ben blijven rondtrekken: eerst met mijn groep The God Machine, na de dood van Jimmy (Hernandez, de bassist, nvdr.) alleen. Toen ik de moeder van mijn dochtertje leerde kennen, heb ik geprobeerd me te settelen in Groot-Brittannië. En een paar jaar later nog een keer, in een klein appartementje in Brussel. Maar daar heb ik maar een paar nachten geslapen. Meestal was ik op tournee. En als ik dan toch een paar dagen vrij had, vond ik het verschrikkelijk deprimerend om naar een leeg appartement terug te keren. Dan ging ik liever op hotel. Een paar jaar geleden besloot ik dan maar om definitief on the road te gaan leven. De eerste jaren stockeerde ik mijn huisraad en mijn instrumenten in een opslagplaats in Londen. Voor het geval ik me zou bedenken. Maar intussen heb ik het meeste daarvan verkocht. Een paar kubieke meter bergruimte kost tegenwoordig meer dan een appartement.'

'Of dat geen ongelooflijk gedoe is? Valt best mee, hoor. Ik leef ondertussen al zolang uit mijn valies dat ik vergeten ben dat het ooit anders was. Als ik ergens langer verblijf, doe ik zelfs de moeite niet meer om dingen nog uit te pakken. Dan zet ik mijn valies gewoon opengeklapt naast mijn bed. Bellen doe ik met voorafbetaalde kaarten, en voor de rest regel ik alles via internet. Het enige wat vervelend is, is dat ik om de haverklap een nieuw paspoort moet aanvragen. Maar de laatste keer nietten ze er op de Amerikaanse ambassade in Londen meteen 24 extra pagina's in. 'Zo ben je voor een paar extra maanden goed', zeiden ze. 'En wij ook.''

'Misschien doe ik binnenkort nog wel eens een poging om me ergens voor langere tijd te vestigen. Voor mijn dochtertje, vooral. Maar voorlopig vindt ze het prima zo. Af en toe gaan we samen 'op avontuur': met de trein van Londen naar Parijs, en dan via Milaan naar Venetië en terug. Alleen kan ik me voorstellen dat ze dat met ouder worden minder leuk zal beginnen vinden. Mezelf ga ik met een vaste verblijfplaats geen plezier doen, denk ik. De meeste mensen hebben schrik voor het onbekende. Maar bij mij is dat om de een of andere reden omgekeerd. Ik heb vooral schrik van het bekende.'

Een volledig instrumentale plaat zou zelfmoord zijn
By Stef Swinnen, Soundslike.be, 7.12.2006)

Na twee jaar bannelingschap in Brussel vertoeft Robin Proper-Sheppard – aka Sophia - nog altijd graag in onze hoofdstad. Hij heeft hier heel wat vrienden en kent een aantal restaurants en cafés op zijn duimpje. Toch ontstond net iets buiten Londen een plaat die een nieuwe Proper-Sheppard laat horen: ‘Technology Won’t Save Us’ vertolkt een veel bredere opvatting over muziek dan diegene die Sophia tot nu toe liet horen. Proper-Sheppard heeft zijn zaakjes weer voor elkaar en dat resulteerde in een eclectische en compromisloze plaat die zelfs durft terug te gaan naar de muzikant zijn donkerste jaren.

SL: En… blij met je uitstap naar Brussel?
Proper-Sheppard: Ik blijf verliefd op deze stad, ja, maar ik ben heel blij dat ik weer in Londen woon. Brussel was destijds een noodoplossing omdat ik niet terug naar Londen kon. Ik heb hier vrienden gemaakt, maar het doet wel pijn als je weet dat je dochter in een ander land zit ondertussen. Als ik op die periode terugkijk, ben ik one of those lucky bastards geweest, die de kans had een stad waarover hij niets wist te leren kennen. Het vreemde is wel dat hier in zo’n korte tijd zoveel veranderd is. Het appartement dat ik huurde in de Vlaanderenstraat kostte me destijds 300 euro. Ik heb het nog twee jaar gehouden, maar vandaag is de prijs verdrievoudigd.

SL: Het lijkt anders wel of je bent opengebloeid in Londen. ‘Technology Won’t Save Us’ klinkt veel minder depressief dan ‘People Are Like Seasons’.
PS: Ik heb mijn platen triestiger zien worden na het einde van The God Machine, dat klopt. Het ging zover dat ik bijna geen zin meer had om nog iets te schrijven of uit te brengen. Toen de distributiemaatschappij me in Amsterdam uitnodigde voor drie optredens, gebeurde er echter iets. Die drie avonden waren uitverkocht en we maakten er uiteindelijk een tournee van zes weken van. Opnieuw werd alles uitverkocht en daarbovenop kwam nog een verkoop van 2.000 exemplaren van de cd. It was a huge surprise, I can tell you that! Opeens zag ik weer in waarom ik muziek wilde maken en uit dat gevoel is ‘Technology Won’t Save Us’ geboren.

SL: Sommigen oude fans van je God Machine-periode beweren dat deze nieuwe plaat heel sterk verwant is aan die tijd. Klopt dat?
PS: Het klopt in die zin dat de plaat gemaakt is op dezelfde manier als de eerste God Machine-plaat. Ik heb niets ingehouden en ook niets weggelaten van wat ik voelde. Bovendien heb ik buiten de drums bijna alles zelf gespeeld, maar heb ik meer dan ooit het gevoel dat dit een groepsplaat is. De samenwerking tussen mij en drummer Jeff Townsin was voorheen nooit zo hecht. Jeff heeft me helpen kiezen. Ik heb meer dan 35 songs weggesmeten. Ook de kritiek op deze plaat is vergelijkbaar met wat we hoorden toen de eerste God Machine uitkwam: je hoort woorden alles wisselvallig, onconventioneel, compromisloos en dat klopt allemaal. Ik wou geen plaat maken voor Sophia-fans die denken dat Sophia zus of zo moet klinken. Ik wou een plaat maken voor mensen die willen uitgedaagd worden.

SL: Nog even over The God Machine. Hoe langer dat die groep tot het verleden behoort, hoe mythischer en invloedrijker ze lijkt te worden. Ben je bang dat je ooit in een soort van Velvet Underground of MC5 hebt gespeeld?
PS: Hola, zo oud ben ik nu ook weer niet (lacht). Ja het is wel gedeeltelijk waar wat je zegt en het is behoorlijk vreemd ook, rekening houdend met het feit dat ik ten tijde van The God Machine nauwelijks mijn gitaar kon vasthouden. De mensen van Aerogramme zijn goeie vrienden van me. Zij hebben me ooit eens toevertrouwd "they probably owed me some royalties for some their songs" (lacht weer). Het heeft waarschijnlijk met onze sound van toen te maken.”

SL: Je hebt twee ongelooflijk knappe instrumentale nummers op ‘Technology Won’t Save Us’ staan. Als ik er naar luisterde, dacht ik: dit is de toekomst voor Sophia.
PS: Oh neen, daar zou ik aan bezwijken denk ik. Zo’n nummer maken is ongelooflijk moeilijk. Toen ik aan “Twilight At The Hotel Moscow” begon, had ik een exact concept in mijn hoofd, maar het kwam er niet uit. Ik liet het aan Jeff horen en ook hij vond dat er wel wat in zat. Toen hij er drums op zette, ben ik eraan beginnen werken: vier weken aan een stuk door, drie à vier dagen per week. Zoiets had ik nog nooit gedaan. Toen ik het nadien aan mijn drummer liet horen, zei hij: “It sounds really good”. Het was er, maar het was moordend geweest. Een volledig instrumentale plaat? Ik denk dat dat gelijk staat met zelfmoord.

SL: Ik weet zeker dat de kritieken op deze plaat zullen variëren van beste plaat van het jaar, tot meest wisselvallige. Wat wil jij dat de mensen erover zeggen?
PS: Beide kritieken zijn welkom. Ik vind dat het mijn beste plaat is en ik vind ook dat het mijn grilligste plaat is. Het is de eerste Sophia-plaat die duidelijk maakt waar Sophia echt voor staat.

Cultband Sophia terug met nieuwe cd
(By Koen De Meester, De Morgen, 8.12.2006)

Robin Proper-Sheppard is de drijvende kracht achter de befaamde cultband Sophia. Bijna was de groep voltooid verleden tijd. Over de grootste crisis uit zijn carrière vertelt Proper-Sheppard op zijn nieuwe cd.

Het is alweer drie jaar geleden dat de vorige plaat People Are like Seasons van de Amerikaans-Britse rockband uitkwam. Daar zit volgens Proper-Sheppard een heel verhaal achter: "Vorig jaar verloor ik plots al het vertrouwen in mijn muziek", bekent de Amerikaanse zanger. "Er lag een volledige cd klaar en toen heb ik alle opnamen geschrapt."

Waarom gooide je alles weg?
Proper-Sheppard: "De songs waren slecht, de klank zat fout... Er ontbrak een essentiële vonk en ik besefte dat ik geen Sophiaplaat in handen had. Die liedjes uitbrengen zou puur fanbedrog geweest zijn. En daar heb ik nooit aan meegedaan, ook niet ten tijde van The God Machine."

Maar Sophia is jouw inkomen. Was dat geen probleem?
"Geen kleintje. De groep is mijn enige manier om geld te verdienen. Ik weet echter heel goed dat mijn publiek de cd's koopt om een artistieke reden, niet voor een of ander deuntje. En dus kan ik enkel maar platen uitbrengen als ze echt aan die eisen voldoen. Ik zat vast en wist niet of ik nog ooit onder de naam Sophia zou werken. Ik was zelfs van plan om volledig met muziek te stoppen. Ik zegde mijn appartement in Londen op, verkocht mijn studio en wilde weggaan."

Waar ben je terechtgekomen?
"Niet ver! Door een gelukkig toeval mocht ik een tijdlang in een Engels buitenhuis met een studio wonen. Ik deed niets anders dan lange wandelingen maken, films bekijken... Ik had zelfs mijn gitaar niet mee. Eindelijk had ik weer de ruimte om geestkracht op te doen. Het gebouw heette Hope House en dat was een goed teken, want Hope is ook de naam van mijn dochter. Na een tijdje begon ik er songs te schrijven en kreeg ik zicht op wat er met me in Londen gebeurd was. Ik had ook zin in een akoestische tournee."

Dus ging het al snel weer goed?
"Ik moet eerlijk zijn, eerst leek het nog allemaal tegen te slaan. Tijdens die tournee verloor ik plots mijn stem en moest ik van de dokter stoppen. Ik voelde me echt heel kwetsbaar en zo kreeg ik een compleet andere kijk op mijn bestaan. Ik besefte dat ik dankbaar moest zijn dat ik muziek kan maken. Dat gevoel van bevrijding is zeker in de liedjes geslopen."

Beweert de titelsong niet het tegenovergestelde?
"Dat lijkt wel zo, maar 'Technology Won't Save Us' komt van een waargebeurd verhaal van een paar jaar geleden. Een vader en zijn zoon gingen wandelen langs de zee en werden verrast door het springtij. Via hun gsm konden ze de hulpdiensten bereiken, maar die kwamen toch te laat. Of hoe de techniek niet zaligmakend is. Ik vond het wel moeilijk om het in woorden te gieten, want ik was zo bang om dat drama te trivialiseren. Je hoort het in de muziek. Het begint prachtig, dan hoor je alles veranderen en gebeurt de ramp. Ik denk er liever niet te veel over na, omdat ik ook een kind heb."

Vertaalden de ervaringen in je eigen leven zich naar de liedjes?
"Zeker. Ik druk erg gemakkelijk persoonlijke zaken uit in een songtekst. Om eerlijk te zijn: Sophia was nooit de meest intellectueel uitdagende band op tekstueel gebied. Ik schrijf alles heel direct op, zonder veel poespas. ik denk aan 'Big City Rot', dat gaat over het gevoel dat ik net voor de kentering had: geen woonst meer, geen muziek, alleen maar doffe ellende, boosheid en shit."

Wilde je die woede ook muzikaal vertalen met de afsluiter?
"'Theme from The May Queen No. 3' moest duidelijk laten horen dat de cd gedaan was. Het is de grote fuckoffrocktrack. Door mijn muziek weet ik gelukkig hoe ik me voel, het is de manier waarop ik met mezelf communiceer. Ik wilde mezelf vertellen dat ook dit soort rauwe rock nog steeds in mij zit. Niet enkel de akoestische liedjes waarmee Sophia bekend werd, maar ook de kiemen die al tijdens de God Machineperiode werden gezaaid. Het is misschien het extreemste wat ik ooit gedaan heb."

Heb je het er niet lastig mee dat je na zoveel jaren carrière niet in een betere financiële situatie zit?
"Ik maak muziek voor de mensen waarvan ik weet dat ze ervan houden. Zij zijn mijn standaard, en als zij het goed vinden, dan ben ik tevreden. Mijn publiek houdt van mij. Wat zou ik nog meer willen?"

Woon je nog altijd op het platteland?
"Euh, nee, ik ben weer naar Londen verhuisd. Waar zou ik anders mijn inspiratie halen?"

(by David Gadze, 20 Minuten Week)

Er trägt eine unerschöpfliche Ladung Melancholie mit sich herum, die er für sein Projekt Sophia zu grossen Songs verarbeitet: Robin Proper-Sheppard.
Robin, auf dem neuen Album «Technology Won’t Save Us» scheinst du den Mut fürs Laute wieder gefunden zu haben.
Robin Proper-Sheppard: Frag mich nicht, woher die lauten Songs kommen. Vor einem Jahr wusste ich nicht einmal, ob ich je wieder eine Platte machen könnte. Mir fehlte einfach die Inspiration.

In «Big City Rot» singst du über deine Identitätskrise. Dachtest du ernsthaft ans Aufhören?

Als ich den Song Ende letzten Jahres schrieb, hätte ich auch eine ganze Platte machen können. Doch es wäre nicht ehrlich gewesen. Ich glaubte wirklich, dass ich keine Platte mehr in mir habe. Und dennoch bestimmt die Musik mein Leben. Das machte mir Angst. Ich muss Rechnungen bezahlen, ich muss für meine Tochter sorgen, und ich verdiene meinen Lebensunterhalt nun mal mit Musik. Dieser Link wurde mir erstmals richtig bewusst.

Du hast nach Jahren London verlassen und bist zum neuen alten Sound zurückgekehrt. Ein Neuanfang?
Ja, warum nicht. Ich habe gelernt, mit meinem Leben umzugehen. Jetzt steht mir alles offen. Ich fühle mich frei. Insofern ist es tatsächlich ein Neubeginn.

Die Schwermut wirst du wohl trotzdem nie ablegen.
Mein Songwriting ist nicht mehr so therapeutisch wie zuvor. Aber nicht nur die Musik hat sich verändert, sondern auch mein Leben. Die ersten Sophia-Platten haben mir dabei geholfen, mein Leben zu ordnen.

Sophia ist so ein Mittelding zwischen Soloprojekt und Band. Arbeitest du lieber allein oder mit anderen Musikern?
Ehrlich gesagt war Sophia vor diesem Album nie eine Band. Es waren zwar immer Leute dabei, aber sie waren nicht auf dasselbe fokussiert wie ich. «Technology …» ist mein erstes Bandalbum seit der Zeit mit The God Machine, obwohl ich praktisch nur mit einem Drummer arbeitete. Wir merkten, dass wir das Album allein machen mussten, um den Spirit einzufangen und etwas Grosses zu erschaffen.

Hast du mal darüber nachgedacht, die alten God-Machine-Platten wieder herauszugeben? Bei Ebay werden sie für horrende Summen verkauft.
Ja, ich weiss. Das Problem ist, dass ich die Rechte nicht besitze. Universal hat mich gefragt, ob ich sie herausgeben möchte. Ich würde ja gerne, nur wollen sie irgendwelche alten, beschissenen Aufnahmen draufpacken. Dabei sollten diese Fucker mir eigentlich meine Musik zurückgeben.

(by Ullrich Maurer, 18/11/2006, gaesteliste.de)

Eigentlich hätte das neue Sophia-Album "Technology Won't Save Us" bereits im letzten Jahr erscheinen sollen. Warum war es so schwierig, das neue Material auf Band zu bringen? Gab es vielleicht eine Phase des Selbstzweifels, wie auch bei "People Are Like Seasons"?
Robin Proper-Sheppard: "Das war dieses Mal etwas anderes. Die neue Scheibe hat mich nämlich fast umgebracht!"

Was ist denn passiert?
RPS: "Also vor 'People' hatte ich immer das Gefühl, dass ich mich irgendwie durchmogele. Es war nämlich nie mein Traum gewesen, ein Musiker zu werden - ich bin da irgendwie reingeschlittert. Als ich dann im letzten Oktober vergeblich versuchte, neues Material aufzunehmen, klang das für mich alles nicht sehr überzeugend..."

Ja gut - aber was ist daran so schlimm? Solche Momente hat doch jeder Musiker ein Mal.
RPS: "Ja, schon. Aber ich glaubte nicht an die neuen Sachen, sie bewegten mich nicht. Ich kam an einen Punkt, an dem ich alles in Frage stellte und glaubte, es nicht mehr packen zu können. Das war eine richtige Identitätskrise. Ich befand mich da in einer sehr prekären Situation, denn ich hatte mein Budget so geplant, dass die neue CD einkalkuliert war. Nun stand ich auf einmal da und musste sogar mein Equipment verkaufen, nur um mich über Wasser halten zu können."

Und was ermöglichte dir dann, es mit neuen Songs doch noch einmal zu versuchen?
RPS: "Es begann damit, dass Julie, die Mutter meiner Tochter Hope, anrief und mich in ihr Haus einlud, um die Aufnahmen dort zu machen, während sie abwesend war. Das war der Moment, zu dem ich beschloss, komplett von vorne zu beginnen."

Was genau hat dann den Sinneswandel herbeigeführt?
RPS: "Es ist sehr idyllisch dort. Das Haus ist sehr groß und es liegt in einem Dorf, in dem es praktisch nur eine Kirche und eine Kneipe gibt. Der nächste Ort ist 25 Minuten entfernt. Es hat mich dort also nichts abgelenkt und gestört. Auf einmal machte alles wieder Sinn. Es gab keinen Druck und ich konnte wieder Songs schreiben, die auch für mich wieder eine Bedeutung hatten."

Warum spielt auf der CD außer dir eigentlich nur dein Drummer, Jeff Townsin, mit. Du hattest doch zumindest eine Tour-Band, oder?
RPS: "Ich weiß nicht, wie ich das nett ausdrücken soll. Aber mir war klar, dass Jeff und ich auf diese Scheibe konzentrieren würden, wie das mit einer Band nicht möglich gewesen wäre. Wenn man mit Session-Musikern arbeitet, dann sind die nicht bereit, bestimmte Parts immer und immer wieder einzuspielen, bis alles hundertprozentig so ist, wie man es haben möchte. Und Jeff und ich hatten diesen Ehrgeiz. Es mag sich zwar seltsam anhören, aber bei dieser CD hatte ich das erste Mal ein gewisses Band-Gefühl bei den Arbeiten."

Der Titeltrack des neuen Albums ist ein Instrumental. Warum ist das so?
RPS: "Also das Stück hat zwar keine Worte, aber eine Geschichte. Es geht um einen Vater, der mit seinem Sohn vor der Küste Schottlands beim Wattwandern verlaufen hat. Sie können nicht gerettet werden, obwohl sie mit dem Handy im Kontakt zu den Rettungskräften stehen. Die Technologie konnte sie also nicht retten."

Und warum hast du darüber keinen Text geschrieben?
RPS: "Es fällt mir leicht, Songs über mich zu schreiben - auch wenn die Leute meinen, dass mich dies belasten müsste, weil ich immer so viele persönliche Dinge preisgebe. Das ist aber nicht so. Ich habe hingegen ein Problem damit, Songs über andere Leute zu schreiben. Mit der Arbeit an diesem Stück habe ich schon voriges Jahr begonnen und immer gedacht, dass ich doch Worte für diesen Song finden könne. Aber es hat nicht sollen sein. Und so entschloss ich mich, diesen Song als Instrumental und Opener für das Album zu verwenden - auch um ich damit gegen das letzte Album abzusetzen."

Gibt es noch eine andere - vielleicht metaphorische - Bedeutung des CD-Titels?
RPS: "Ja, denn dann ist noch der spirituelle Aspekt. Wir können zum Beispiel die Geschwindigkeit der Welt, die sich um uns dreht, nicht bestimmen."

Darum geht es in dem Stück "Pace", nicht wahr?
RPS: "Ja, genau. Die Technologie kann uns zwar helfen - zum Beispiel in der Medizin -, aber am Ende kann sie uns nicht retten."

Ist das auch das Thema des Songs "Lost (She Believed In Angels)", in dem du den Krebs-Tod deiner Mutter thematisiert?
RPS: "In gewisser Weise ja. Ich war vor vier Jahren dabei, als meine Mutter starb und habe in diesen drei Tagen mehr über sie gelernt als in meinem ganzen Leben vorher."

Ist dieser Song also auch eine Art Therapie?
RPS: 'Ja, denn er handelt vom letzten Moment in ihrem Leben, von ihrem letzten Atemzug. Und von dem Umstand, dass während dieses Prozesses zu keinem Moment so etwas wie das Gefühl der Angst zu spüren war. Ich selbst habe dabei gelernt, keine Angst mehr vor dem Tod zu haben."

Wie kommt es dann, dass dieser Song aus der Perspektive deiner Mutter geschrieben wurde, während du ja andererseits sagst, dass du keine Stücke über andere Leute schreiben könntest?
RPS: "Dieser Song schrieb sich praktisch von selbst. Ich hatte kaum eine Kontrolle darüber. Ich hatte Seiten über Seiten von Notizen, auf die ich zurückgreifen konnte. Vielleicht war das deswegen so, weil mir die Situation so nahe ging."

Was ist denn - im Rückblick - das Resümee, das du zur neuen Scheibe ziehst?
RPS: "Ich sage dir eines: Das war die schwierigste Scheibe, die ich je aufgenommen habe. Aber ich bin verdammt froh, dass ich sie gemacht habe."

(by GvA, Fileunder.nl, 09/12/2006)

Nadat hij me met breed gebaar voor heeft laten gaan op de trap vinden Robin Proper-Sheppard en ik een goede plek in het verlaten Theehuis van de Melkweg waar we kunnen praten over The God Machine, filosofie en zijn laatste Sophia-plaat Technology won't save us. Luidruchtig wordt nog een "large coffee, laaarge coffee!" besteld - hij moet nog even wakker worden - en dan richt hij zich alweer verwachtingsvol tot mij. Recht in zijn energieke gelaat flap ik de ietwat de plank missende vraag: "is it hard being on the road?" eruit. Gelukkig steekt hij groots en meeslepend van wal.

ROBIN: Zwaar? Wat is zwaar? Ik zou ook in deze bouwput kunnen werken [wijst op het gapende betonnen zwarte gat onder ons dat het nieuwe centrum van de Melkweg moet gaan worden] en dat lijkt me veel zwaarder. Dat is net als die modellen die zeggen: "it's so hard staying beautiful." Nee, er zijn veel zwaardere dingen dan "being on the road", gigs spelen en mensen ontmoeten. Maar wel is het vermoeiend. Na een concert lig je - zelfs als je het niet ergens op een drinken gaat zetten - toch altijd weer pas om drie uur in je bed voor een nachtje van 5 uur slaap voordat de bus weer vertrekt naar de volgende stad. Om eerlijk te zijn is dit eigenlijk weer het eerste concert sinds een tijdje. We pendelen momenteel wat op en neer tussen nowhere en Duitsland. Dit is maar een klein toertje, maar straks gaan we twee maanden onafgebroken op weg en dat gaat je niet in de koude kleren zitten; ik moet iedereen echt een beetje in de gaten houden. Anders zit je na vier weken toeren opeens shows af te gelasten omdat iedereen ziek is enzo.

FU: Zie je jezelf als een soort father figure van de band?
ROBIN: Het is moeilijk om Sophia als een echte band te zien.Iedereen heeft naast Sophia zijn eigen projecten en bezigheden. Toch ontwikkel je onherroepelijk iets van een bandmentaliteit als je zo lang met elkaar onderweg bent. En nu is het een goede groep; iedereen kijkt naar elkaar om. Soms passen mensen beter bij elkaar dan anderen. Net als op High School, daar ontstaan ook van die groepen.

FU: De God Machine startte vanuit zo'n groepje.
ROBIN: Precies, we groeiden samen op en dat was echt een zeer hechte eenheid.

FU: Had je het idee dat die band voor altijd zou blijven bestaan?
ROBIN: Nee, om eerlijk te zijn had ik nooit gedacht iets in de muziek te gaan doen. Ik heb nooit gedroomd om zanger in een band te worden. Toen ik een instrument ging bespelen wilde ik wel de gitarist zijn, maar er was nooit echt moment in mijn leven dat ik dacht dat ik mijn brood wilde verdienen met het maken van muziek. Met The God Machine gebeurde het gewoon. We maakten een demo en die sloeg aan, zo simpel is het. Met Sophia ging het anders. Na de dood van Jimmy [Fernandez, bassist van The God Machine; GvA] runde ik mijn eigen label, The Flower Shop, had een stuk of vijf bands gecontracteerd maar was zelf niet van plan iets op te nemen. Ik speelde alleen wat muziek op mijn akoestische gitaar, maar dat was zo anders dan wat ik met The God Machine had gemaakt dat ik betwijfelde of er überhaupt iemand was die daarnaar zou willen luisteren. Maar uiteindelijk stapte ik dan toch de studio in met wat muzikanten die ik via het label had leren kennen en zo is Sophia gevormd. Van het eerste album perste ik slechts 2000 exemplaren en was al blij als ik ze allemaal zou verkopen. Als het op niks zou uitlopen zou ik gewoon terug zijn gegaan naar Californië, een beetje surfen voor de rest van mijn twenties, misschien terug naar de universiteit. Maar ook Sophia took off: het eerste album verkocht zelfs meer exemplaren dan de eerste twee God Machine platen tezamen! Ik had opeens een hele nieuwe carrière voor mijn neus liggen.

Zelfs nu ben ik daar nog elke dag verbaasd over. Ik vraag me serieus af of dit mijn laatste album is - vandaar nu eerst dit promotoertje en pas later de main tour. Omdat ik werkelijk geen idee had of deze plaat ging aanslaan, had ik geen enkel concert gepland.

FU: Waarom de naam "Sophia"?
ROBIN: De naam Sophia komt van een Hal Hartley-film waarin de betekenis van de naam - wijsheid - wordt bediscussieerd. Ik vond het een prachtig woord, het rolt van de tong. Maar eigenlijk had ik gehoopt dat er een woord was dat het tegengestelde ervan betekende - want ik vond het nogal pretentieus om mijn band wijsheid te noemen -, maar dat zou dan "Ignoramous" moeten worden: no way dat ik zo mijn band ging noemen!

FU: Aan het begin van de filosofie is wijsheid al een ambigu begrip. Socrates weet slechts één ding, namelijk dat hij niets weet.
ROBIN: Absoluut! De naam "Sophia" moet zeker ook ironisch begrepen worden. Toch is ze niet geheel uit de lucht gegrepen. Er zit wel een bepaald soort weten achter mijn muziek, maar het is een weten van mijzelf. [Naast de raad aan Socrates orakelde het orakel te Delphi ook: "Ken Uzelve."; GvA] In Frankrijk is in filosofiecolleges de tekst van Fixed Water gebruikt als een voorbeeld van het existentialisme. Ik vond dat fantastisch, vooral ook omdat ik tweeënhalf jaar filosofie gestudeerd heb en altijd filosofie wilde doceren. Toen een van mijn filosofiedocenten me met de literatuur en poëzie van de Beat-generation in contact bracht, ben ik er echter mee gestopt. Ik las Zen and the art of motorcycle maintenance en dergelijke en kreeg toen sterk de neiging on the road te gaan en werkend de wereld rond te reizen. Ik wilde naar Rusland, en naar het Atlasgebergte in Marokko om daar de Master Musicians of Jajouka te zien. Ik verliet San Diego met de Greyhound, criss-crossed the States, maar strandde al in New York. Toen [Ronald] Austin [drummer van The God Machine; GvA] en Jimmy ook naar New York kwamen, begonnen we The God Machine en gingen we naar Londen en Amsterdam. En toen begon The God Machine te draaien… Tot zover dus mijn grootse reisplannen. Alhoewel, ik heb toch behoorlijk de wereld rond gereisd en ben uiteindelijk ook nog in Marokko beland!
Maar inderdaad, de filosofie… Ik ben nu al zo lang met muziek bezig dat je dingen neigt te vergeten. De reden waarom ik ooit filosofie ben gaan studeren is om dat ik ben opgegroeid in een streng religieus gezin. Ik ben behoorlijk geplaagd met het dogma van het christendom. Via de Griekse mythologie raakte ik verzeild in de filosofie. Helaas is het de laatste tien jaar eigenlijk non-existent in mijn leven. Laatst ben ik toevallig sinds lange tijd weer eens wat gaan lezen over ethiek. Het is over het algemeen saaie stof, maar als je één bladzijde werkelijk kunt lezen en je er echt op kunt focussen voor een dag of twee dan is dat al fantastisch.

FU: Heb je on the road niet zeeën van tijd om te lezen?
ROBIN: Nee, om twee redenen. De eerste zes jaar reed ik zelf de bus. Rijden brengt me in the zone, net als zwemmen overigens. Ik kan uren achtereen rijden, ergens beginnen met denken en uren later volledig ergens anders zijn, fysiek en mentaal. Nu ik gereden word kan ik echter niet echt focussen op tekst. Er gebeurt gewoonweg te veel: kaarten moeten gelezen worden, tanks gevuld etc. Als ik ga lezen dan doe ik dat zes of zeven dagen achter elkaar, veertien uur per dag, zoals pas nog met het werk van Haruki Murakami. Ik stuitte bij toeval op een boek van hem, vond het fantastisch en kocht meteen al zijn werk.

FU: De naam van het nieuwe album Technology won't save us is gebaseerd op een luguber verhaal van een vader en een zoontje die worden overvallen door een mistbank en - ondanks het voortdurende mobiele contact - verdrinken in een opkomende zee. Iets zegt me dat de titel algemener betekenis heeft.
ROBIN: Absoluut! Het is een lichte meditatie dat technologie op vele manieren ons leven makkelijker heeft gemaakt, maar heeft het het ook verrijkt? Heeft het dingen gebracht in een spirituele betekenis? Ik ben trouwens geen hippie hoor, maar ik denk werkelijk dat dat niet het geval is. In de muzikantenbusiness waarin ik me bevind is dat ook zichtbaar geworden. Alles is nu gebaseerd op de computer en mensen realiseren zich niet meer dat enkele decennia geleden alles precies hetzelfde op analoge tape werd gedaan. Als Quincy Jones een beat heel strak wilde hebben, dan zat er een engineer heel secuur die stukjes tape te cutten. Met andere woorden: er is een heleboel ambacht verdwenen en daarmee verliest muziek zijn ziel. Een vriendin van mij wees me op Friedrich Schiller. Via Gutenberg stuitte ik op een essay van hem over onze dierlijke natuur en onze zorgende cultuur. Schiller denkt dat we dankzij onze denkende cultuur invloed kunnen uitoefenen op onze bepaalde natuur. In de geneeskunst bijvoorbeeld onderkent men de kracht van positief denken in het genezingproces van bijvoorbeeld kanker. Ik wil niet zeggen dat als ik kanker krijg dat ik het dan puur holistisch ga proberen te genezen met kruiden en wortelen, maar ik geloof in de helende kracht van positief denken. En dit is misschien een duistere gedachte, maar ik denk dat andersom geredeneerd veel kanker in de geest begint; niet eens zozeer door hoeveel sigaretten je rookt, maar juist omdat je negatief denkt; het lijkt bijna een vorm van zelfmoord. Er moet een soort mentale zijde zijn die de fysieke kant beïnvloedt. En dit is zeer algemeen gezegd en vast niet voor alle gevallen kloppend. Maar als je mentale instelling je genezing kan beïnvloeden, dan kan diezelfde instelling ook de ontwikkeling van ziektes beïnvloeden.

FU: Hoe zat het met jouw mentale instelling tijdens de opnames van het laatste album? Die hebben namelijk nogal wat tijd in beslag genomen.
ROBIN: Het laatste album is me erg zwaar gevallen inderdaad. Ik weet niet waarom. Maar ik heb hele hoge maatstaven voor mijn muziek.

FU: Verhoog je ze telkens?
ROBIN: Misschien. Maar ik had vooral niet het gevoel dat ik mezelf emotioneel er genoeg in legde. Ik heb ook veel muziek weggegooid. Misschien is dit wel het laatste Sophia-album, ik neem niets voor lief. Ik zit er zelfs sterk over te denken om misschien terug te gaan naar de universiteit. Dat voelt als het juiste ding om te doen. Ik ben nu 38 en zal in ieder geval terug gaan naar adult-school. Ik heb uitdagingen nodig, ik heb niets te bieden als ik niet uitgedaagd wordt. Dus waarom doen we het niet gewoon zo: ik haal gewoon nog ergens een graad, jij raadt me nog wat mooie boeken aan,
ik maak toch nog een nieuw album en volgend jaar spreken we gewoon weer af?

FU: Deal.

Avec le quatrième album de Sophia, Robin Proper-Sheppard séduit toujours
(by Basile Vellut, La Dernière Heure, 21/11/2006)

Robin Proper-Sheppard a beau avoir un passé de surfeur américain, le garçon respire la classe. Une classe très british qui a été inoculée au chanteur de Sophia et du défunt God Machine probablement lorsqu'il habitait un... squat à Camden. Et qui ne l'a pas quitté quand il est venu vivre à Bruxelles.

Un flash-back s'impose. Avec God Machine, dans les années 90, Robin Proper-Sheppard a créé un engouement qui a largement dépassé le cadre de ses indécrottables fidèles. Las, le décès de Jimmy Fernandez, son meilleur ami et bassiste du groupe, emporté par un cancer a plongé le chanteur dans une profonde déprime. Et God Machine a été rejoindre son bassiste au pays des songes.

Sophia est né plus tard mais n'a jamais été un calque de son prédecesseur. Aux guitares lourdes et au son plombé sont venues se greffer des guitares acoustiques évoquant tout le malaise du leader. Un malaise qui s'est extériorisé en Belgique.

"Tout a commencé ici, avant Sophia en fait", avoue Robin Proper-Sheppard attablé dans le salon d'un hôtel de la capitale. "Quand j'étais dans God Machine, j'avais un label appelé Flower Shop - je l'ai toujours du reste. Bang ! a tout de suite pris les petits groupes (Elevator, Ligament, Rose Mota,...) que j'avais sur mon label. Quand j'ai mis le premier Sophia sur Flower Shop, j'ai vendu seulement 300 copies, vraiment rien du tout. Mais, chez Bang !, on m'a dit de venir à Bruxelles, de jouer quelques concerts et de boire quelques bières. Juste prendre du bon temps. À la base, Sophia, nous n'avions pas projeté de faire du live, c'était juste un petit projet. Les trois dates belges ont fait parler d'elles et on a enchaîné pendant six semaines en Europe des salles sold out. À la fin de ce tour, je devais rentrer aux Etats-Unis parce que j'avais quelques problèmes d'immigration au Royaume-Uni. Un de mes amis m'a dit alors qu'on prenait un verre au Zebra qu'il avait un flat libre rue des Flandres et avant que j'ai pu m'en rendre compte j'étais tous les soirs à l'Archiduc jusque 4 h du mat."

De hasards en surprises
La vie de Robin Proper-Sheppard a pris des tours qu'il n'aurait jamais imaginés. Quand il vivait à San Diego, il avait monté un groupe, The Society Line, base du futur God Machine. Après un exil prolongé à New York où la journée il vendait des pompes ("de luxe, à de très jolies filles, un terrible job en fait", se souvient-il) et le soir travaillait dans un studio, ses potes musiciens restés en Californie lui disent qu'ils ont rencontré le tourneur des Happy Mondays qui leur a proposé de travailler sur la tournée du groupe.

"Quand nous sommes arrivés (NdlR : sans Albert Amman, ce qui signifiait l'arrêt de Society Line), il nous a dit qu'il était désolé, qu'il avait rompu avec sa copine, que les Happy Mondays étaient camés. Nous nous étions fait avoir, nous lui avions pourtant dit fermement que nous venions à Manchester. Nous avons alors vécu dans un squat à Londres pendant une année. C'est là que nous avons débuté God Machine. À l'époque, je n'étais pas vraiment un guitariste, mais un chanteur. Quand j'ai quitté San Diego, je n'avais jamais pensé aller à Londres. Je voulais aller au Maroc et à Moscou."
Les choses sont arrivées au hasard, donc. "Quand j'ai quitté Londres pour jouer à Bruxelles, je n'aurais jamais pu imaginer que j'allais vivre à Bruxelles. J'avais un ticket d'avion pour rentrer de Bruxelles aux States. Je jure que je n'avais jamais pensé que ma vie prendrait une telle tournure. Je n'avais jamais mais alors là jamais imaginé que je serais un songwritter, un musicien, un chanteur. Je ne l'avais jamais rêvé. Tout ce que je faisais quand j'étais petit, c'était écrire des histoires, juste comme ça. Je voulais être prof de philo."

Et maintenant, à 37 ans, il a déjà publié deux albums de God Machine et a sorti son quatrième CD de Sophia. Brillant, comme ses prédécesseurs.

"Il y a un an, j'avais 30-35 chansons. C'était difficile. Je n'étais content d'aucun des morceaux. Pour la première fois, j'ai vraiment pensé que je devais abandonner ce que j'avais fait. Je n'avais pas l'impression que j'avais un disque. Ma relation avec le public est tellement basée sur l'honnêteté, la vérité. La musique que j'avais faite était sans véritable esprit. C'est comme si j'avais écrit des trucs pour les sortir, les vendre et payer mon loyer. Tu espères que ton prochain album sera meilleur. Sophia n'est pas un grand groupe. Il n'a pas un grand public mais celui-ci croit en ce que je fais. Il y a des gens qui en attendent beaucoup. J'ai alors tout recommencé et les chansons de Technology Won't Save Us sont venues naturellement."